océanos en trance

Miles Davis - Ascenseur pour l'echafaud (1958) (a 320 kbps)

2011-11-22T05:24:00.000-08:00

Alain Goraguer - La planete sauvage (1973) (a 320 kbps)

2011-11-20T06:50:00.000-08:00

Alain Goraguer fue un pianista, comporitor y arreglador francés, quien acompañó a Serge Gainsbourg en sus primeros discos, y ya había acompañado a Boris Vian, tambien realizó arreglos para otros cantantes populares, pero hoy lo tenemos como compositor de música para cine; hizo varios soundtracks, pero el mas famoso y seguramente mejor logrado es el de la película de animación "El planeta salvaje", "La planete sauvage".
.
Link en comentarios.

Samla Mammas Manna - Måltid (1973) (a 320 kbps)

2011-11-18T08:40:00.001-08:00

Algo que me gusta de las bandas de rock progresivo, es cuando se mezcla el virtusismo con el humor, dejando de lado la imagen grandilocuente. Así ocurre un poco con los holandeses Focus, y con los suecos Smla Mammas Manna, a quien tenemos hoy con su segundo disco, Maltid.

Popol Vuh - Einsjäger & Siebenjäger (1974) (a 320 kbps)

2011-11-16T21:27:00.001-08:00

La banda alemana Popol Vuh comenzó principalmente, cuando por el año 1970, Florian Fricke adquirió un moog, "primitivo" sintetizador que podemos ver en este video, el cual pertenece a la primera época de Popol Vuh:
La exploración de los sonidos del moog marca los dos primeros discos de Popol Vuh, Affennstunde, e In der garten pharaos, de 1970 y 1971 respectivamente; éstos dos discos cuentan con paisajes generados por Florian en moog, apoyados en las percusiones étnicas de Holger Trülzsch.
En 1972, para el tercer disco, cambia la formación, manteniéndose solo Florian Fricke, y graban un disco con piano, a cargo de Florian, Conny Veit en guitarra eléctrica, Klaus Wiese en tambura, instrumento de cuerda de la India, Robert Eliscu, en oboe, quien luego formaría la banda Between, y Djong Yun, cantante coreana, en voz. Este disco se llama Hosianna Mantra, y desarrolla un nuevo sonido, que sirve de evolución hacia el sonido de rock progresivo de los siguientes discos, aunque éste es mas bien música ambiental.
En 1973, entra un baterista y guitarrista llamado Daniel Fichelscher, tambien guitarrista de Amon Duul II,con el cual graban el disco Seigpreisung, con letras basadas en las bienaventuranzas de La Biblia, en este disco canta el mismo Florian Fricke.
Y aquí sí, llegamos al disco que tenemos aquí, Einsjäger und Siebenjäger, donde ya no aparece Conny Veit, todas las guitarras las interpreta Daniel Fichelscher, y canta Djong Yun. Este disco es, probablemente, la cumbre del sonido progresivo de Popol Vuh, el cual se haría mas rockero, mas crudo, hacia fines de los 70's (sin dejar de lado lo étnico), para luego volver al sonido ambiental con tintes étnicos. Tambien es importante reconrdar el aporte de Popol Vuh con la música de varios films de Werner Herzog, como Aguirre, la ira de Dios, Nosferatu, Cobra verde, etc.
Florian Fricke solo, tambien grabó discos, interpretando a Mozart en piano, y grabó con músicos de la India.

link en comentarios.

John McLaughlin with the one truth band - Electric dreams (1979) (a 320 kbps)

2011-11-14T20:40:00.000-08:00

John McLaughlin es un guitarrista inglés de jazz, y no solo de jazz, tambien ha hecho fusiones con rock y música de la India, es memorable su participación en los discos de Miles Davis de su etapa eléctrica, o sea, entre 1969 y 1974, aunque tambien aparece en otros discos posteriores de Miles, y tambien debemos recordar tanto a la Mahavishnu Orchestra, como a Shakti, su experiencia con Paco de Lucía y Al Di Meola, donde se desenvolvió en el flamenco. Otro disco que me interesa mucho es el disco donde interpreta composiciones de Bill Evans transportadas a la guitarra.
Estas son algunos notables trabajos de John McLaughlin, pero hoy tenemos otro, un disco solista que grabó con la que se llamó The one truth band, que contaba con Lakshminarayanan Shankar en violín, tanto acústico como eléctrico, y la participación del saxofonista Dadid Sandborns, entre otros.
En el disco Bitches Brew, Miles Davis incluyó un tema con el nombre de John McLaughlin; como respuesta a ello, este Electric dreams tiene un tema llamado Miles Davis, compuesto por John.
Link en comentarios.

Pandit Pran Nath - Ragas of morning and night (1986) (a 320 kbps)

2011-11-13T21:57:00.000-08:00

Antes que nada debo advertir que este disco no es apto, o mejor dicho, no es recomendable para occidentales recalcitrantes, quienes seguramente lo encontrarán monótono hasta lo insoportable.
Estamos ante dos ragas, complejas escalas hindúes destinadas a distintos momentos; aquí tenemos uno para la mañana y uno para la noche, aunque seguramente no encontrarán diferencia entre el clima de uno y del otro, ya que no es una música pensada cono algo representativo, como podrían ser Las cuatro estaciones, de Vivaldi.
De Pandit Pran Nath podemos decir que fue un cantante, músico y profesor de música tradicional hindustaní, y para ubicarlo en relación a la música de occidente, creo que es necesario recordar que enseñó la música de la India amuchos músicos norteamericanos, como los minimalistas La Monte Young, Marian Zazeela y Terry Riley, con quienes ha grabado discos, por ejemplo, este disco que aquí tenemos, fue producido por La Monte Young y Marian Zazeela.
Lo aprendido por los músicos ya nombrados, influenció profundamente a las experiencias "drone" de La Monte Young con sus grupos Theater of eternal music, y The dream syndicate, de las cuales participaron a mediados de los años 60's John Cale y Angus McLise, quienes un par de años despues formaron parte de la famosa banda Velvet Underground.
Pandit tambien fue profesor de músicos de Jazz, como el trompetista Don Cherry, que por otro lado, tambien estaba relacionado con Terry Riley, con quien grabó un disco que pronto tendremos por aquí.
.
Link en comentarios.

Charles Mingus - East coasting (1957) (a 320 kbps)

2011-11-13T19:35:00.001-08:00

Sexteto de Charles Mingus:
Charles Mingus – bajo
Clarence Shaw, trompeta
Jimmy Knepper, trombón
Shafi Hadi, saxo alto y tenor
Bill Evans, piano
Dannie Richmond: batería
.
.
Link en comentarios.

Astor Piazzolla - Tango: Zero hour (1986) (a 320 kbps)

2011-11-11T22:47:00.000-08:00

Disco que Astor grabó con su quinteto en New York. Pronto un amigo admirador de don Pantaleón va a hacer el comentario pertinente. Salúd!!!
.
Link en comentarios piazzolleanos

Egberto Gismonti - Egberto Gismonti (1969) (a 320 kbps)

2011-11-10T07:12:00.000-08:00

Primer disco solista de la extensísima carrera artística del compositor y multiinstrumentista brasileño Egberto Gismonti.
Tocan:
Egberto Gismonti (piano, guitarra, voces)
Copinha (flauta)
Durval Ferreira (guitarra-1)
Sergio Barrozo (bajo)
Wilson das Neves (batería)
Dulce Nunes (voces-2)
Orquesta dirigida por Egberto Gismonti.
.
Link en comentarios.

Jacques Brel - Jacques Brel et ses chansons (1954) (a 320 kbps)

2011-11-09T12:25:00.000-08:00

Primer disco del cantautor belga Jacques Brel!
.
Link en comentarios.

Maysa - Barquinho (1961) (a 320 kbps)

2011-11-09T11:44:00.000-08:00

Maysa Matarazzo, o simplemente Maysa grabó en 1961 este disco, número once en su discografía, la cual había comenzado apenas 5 años antes. Barquinho era ya el tercer disco que Maysa grababa en ese año.
De este disco podemos decir que fue parte del nacimiento de la Bossa Nova, que la acompaña el grupo de Roberto Menescal, autor de O barquinho y de otras canciones que aparecen en esta grabación, y que en los arreglos participa Luiz Eça, el sutil pianista del Tamba trio, quien ha influenciado a muchos músicos posteriores a la hora de tocar el piano, y que ha tocado en vivo con nuestro amado Bill Evans, cuando éste fue a Brasil.
Maysa murió joven, a los 40 años, pero dejó grabados 18 discos de larga duración y unos cuantos ep's y discos simples. ¡Disfrutemos de Maysa!
.
Link en comentarios.

Serge Gainsbourg, N.2 (1959) (a 320 kbps)

2011-11-09T07:14:00.000-08:00

Ya hemos hablado de nuestra predilección por el disco Le chant a la une!, primera grabación de Serge Gainsbourg, realizada por el año 1957, con arreglos de Alain Goraguer, quien tambien hizo música para cine, es suya la música de El planeta salvage, por ejemplo.
En esta ocasión vamos a escuchar el segundo disco de Serge Gainsbourg, todavía con un toque de jazz, pero mucho mas orientado a los ritmos afrolatinoamericanos, como el mambo y el chachachá. Tambien fue arreglado por don Alain Goraguer.
.
Link en comentarios.

Victor Feldman - The arrival of Victor Feldman (1958) (a 320 kbps)

2011-11-09T00:13:00.001-08:00

Como dije en el "post" de Explorations, el trio de Bill Evans, el contrabajista Scott La Faro, además de haber tocado en dicho trío, tocó en otras agrupaciones, como el trío de Victor Feldman, así que, ¿que mejor que escuchar al trío de Victor Feldman con la participación de nuestro admirado Scott?. Escuchemos!!!
.
Link en comentarios

Bill Evans trio - Explorations (1961) (a 320 kbps)

2011-11-08T22:25:00.000-08:00

William John Evans, o sea, Bill Evans, ha sido, y es, uno de los mas grandes creadores desde a través del piano, del siglo 20, esto incluso trascendiendo la esfera del jazz. En sus decenas de discos, se ha desenvuelto en distintas formaciones, ha hecho duos, ha sido acompañado por arreglos orquestales, se ha sobregrabado a si mismo, ha tocado con vientos solistas, pero podríamos afirmar que la formación mas compacta que ha utilizado durante su búsqueda, es el trío. Han cambiado varias veces los contrabajistas y bateristas que acompañaban a Bill en sus tríos, pero la que yo prefiero, es la de Scott La Faro en contrabajo y Paul Motian en batería. Tres discos han sido grabados con esta poderosa formación, Portrait in jazz, de 1960, Explorations, de 1961, las grabaciones en vivo del mismo año, Sunday at the Village Vanguard, y Waltz for Debby, tambien realizada en el Village Vanguard.
Pocos días despues de la presentación en el Village Vanguard, Scott La Faro muere en un accidente de tránsito, y teniendo solo 25 años de edad, aunque habiendo dejado unas cuantas grabaciones como contrabajista de varias bandas, entre ellas, la de Victor Feldman, y reemplazando a Charlie Haden en el cuarteto de Ornette Coleman durante 1960, participando de la grabación de Free jazz (a collective improvisation).
Luego de la muerte de Scott, el trio de Bill Evans continuó con el mismo baterista, Paul Motian y el lugar de Scott fue ocupado por Chuck Israels.
Bill quedó muy afectado por la pérdida de ese gran músico que fue Scott La Faro, y solía usar un abrigo suyo durante mucho tiempo.
Aquí tenemos un perfecto ejemplo de lo que era el trío de Bill Evans con Scott La Faro y Paul Motian, con ustedes, el gran disco Explorations!!!
.
Link en comentarios.

Iván Lins - A noite (1979) (a 320 kbps)

2011-11-08T21:19:00.000-08:00

Luego de unos meses sin subir nada, ya tengo seleccionados muchos discos, por todo el tiempo que no subí. Nunca había puesto nada de Iván Lins, así que para remediar semejante afrenta, pongo uno de los mas bellos discos de Ivan: A noite!

Link en comentarios.

Incógnito, Jazz Funk (1981) (a 320 kbps)

2011-05-16T12:46:00.001-07:00

Primer disco de esta banda inglesa de acid jazz!!!.
Link en comentarios.

Gary Burton Quartet, Something's Coming (1963) (a 320 kbps)

2011-05-06T07:58:00.000-07:00

Siiiii, volvemos a las andanzas sonoras y con un disco de ensueño, Something's Coming, del cuarteto del vibrafonista Gary Burton, con Jim Hall en la guitarra, Chuck Israels en contrabajo, y Larry Bunker en batería.
Para edulcorar el té.
Link en comentarios, entre las vibraciones.

Orange Crate Art - Van Dyke Parks (featuring in Brian Wilson in the whole album) - 1995

2011-01-16T10:20:00.000-08:00

All songs by Van Dyke Parks, except where noted.

"Orange Crate Art" – 3:00
"Sail Away" – 5:15
"My Hobo Heart" (Van Dyke Parks, Michael Hazelwood) – 3:16
"Wings Of A Dove" – 3:07
"Palm Tree And Moon" – 4:07
"Summer In Monterey" (Van Dyke Parks, Michael Hazelwood) – 4:14
"San Francisco" – 4:28
"Hold Back Time" – 3:39
"My Jeanine" – 3:13
"Movies Is Magic" – 3:54
"This Town Goes Down At Sunset" (Michael Hazelwood) – 3:21
"Lullaby" (George Gershwin) – 6:06

Orange Crate Art es un álbum de 1995 de Brian Wilson y Van Dyke Parks lanzado por Warner Bros. Records, recordemos que Van Dyke es amigo de Brian desde 1967.

Casi 30 años después de su legendaria colaboración en el proyecto Smile que en su momento en 1967 no se dió e iba a ser la secuela de Pet Sounds, editado sí luego como Smile (2004) un inmenso disco de un Brian ya más adulto y cada vez más prolijo a la hora de escribir la música, Wilson y Parks se unieron de nuevo aquí, que en esencia, es realmente un álbum de Van Dyke Parks, cargado de su composición densa en tradición americana, compleja y exhuberantes orquestaciones, o mejor bien craneadas y bien logradas luego, a la vez con Brian Wilson como la voz y voces principales. El título del álbum hace referencia a las reminiscencias del sol, pinturas idealizadas de las cajas de madera para grape fruits y toda la coloración de California interviniendo una curiosa amalgama tradicional también en Brian de toda la música que mamó: la tradición clásica el jazz, las influencias americanas del folk y lo que iban percibiendo a la vez que iba sucediéndo, y la temática que podría ser una visión nostálgica de la historia de California, es la historia corriendo, contínua y discontínua, así y por ello también actual y acaso futura.

Dada la fama de Brian y Van, el álbum llegó con grandes expectativas, pero fue un caso de anacronía para los años 90´s que recibió críticas mixtas y generó unas ventas mediocres, con lo cual quiero decir que los que gustan de la música pueden ser ocres pero no medios, y que hay que escucharlo hoy como se hizo ayer para ver si gusta o no. Orange sigue siendo una curiosidad interesante para la mayoría de los Wilsonianos y seguidores de Parks, ya que su tirada y a-éxito comercial lo volvieron material de collectors, casi imposible de encontrar. Yo lo veo cómo un exótico nivel, que no es mera curiosidad la que lo puebla, sino una ecléctica manera de seguir sus líneas de disciplina musical.

Las orquestaciones, insisto, son de una calidad sonora y una intrepidez medida como para no dar lugar a las comparaciones vanas, sino a una experiencia, pero siempre elocuentes, no cae de la sistemática de los modos de producir música de éstos dos señores.

Aquí el ensayo del tema 1: http://www.youtube.com/watch?v=OiykTknz51U

y aquí un tema de Van Dyke co-compuesto con Ringo Starr y la participación de Paul McCartney:
http://www.youtube.com/watch?v=c68v6WIZeRI

y para terminar la prehearing:
Song by Van Dyke Parks and Brian Wilson.
http://www.youtube.com/watch?v=AFxdAkfjeVg

Espero lo disfruten.
De soslayo en el blog de Fran, Manuel Martinicorena.

Caetano Veloso, Araçá azul (1973)

2011-01-08T10:33:00.001-08:00

Disco verdaderamente EXPERIMENTAL de Caetano.

Herbie Mann, Do The Bossa Nova (1962) (a 320 kbps)

2011-01-04T17:08:00.000-08:00

(1 a 8)
Herbie Mann (flauta)
(1 y 7)
Baden Powell (guitarra)
Gabriel (bajo)
Papao (batería)
Juquinha (batería)
(2 y 6)
Paulo Moura (saxo alto)
Pedro Paulo (trompet)
Sergio Mendes (piano)
Durval Ferreira (guitarra)
Octavio Bailly Jr. (bajo)
Dom Um Romao (batería)
(3 y 5)
Antonio Carlos Jobim (piano, arreglo y voz en 5)
(4)
Trio de pianistas Luis Carlos Vinhas
(8)
Zezinho e Sua Escola de Samba
link en comentarios.

Ernest Ranglin, Boss reggae (1969) (a 320 kbps)

2011-01-03T18:13:00.001-08:00

Primer disco subido del año!!!, verano!!!, palmeras!!!, Ernest Ranglin, Boss reggae!!!; disco de reggae ska un poquito jazz y casi a gogó, de este legendario guitarrista jamaiquino, con la participación de Jakcie Mittoo en órgano.
Para cargar en el i pod y llevar a la playa.
link bajo la sombrilla en comentarios.

Beach Boys, Beach Boys' Party! (1965) (a 320 kbps)

2010-12-31T08:42:00.000-08:00

Faltan unas horas para el año nuevo!, así que busquemos una música propicia para el festejo, por ejemplo... este bello y distendido disco de los Beach Boys, Beach Boys Party!, donde nuestros amigos hacen una zapada playera con un pequeño público que parecen ser chicas. Incluye covers de los Beatles!.
Los chicos de la playa, se divierten de lo lindo!.
link en comentarios.

The Manhattam transfer, The christmas album (1992) (a 320 kbps)

2010-12-27T17:28:00.000-08:00

Y para cerrar el ambiente navideño, vamos a reconocer que es algo realmente dificil hacer un disco navideño y no caer en la grasada, hay muchos discos navideños, y este es uno de esos pocos realmente exquisitos, estamos ante los Manhattan transfer, y por ejemplo, Tony Bennet como invitado...!!!.
Felices fiestas... y lindos arreglos vocales!.
Link en comentarios.

The Residents, Santa dog (1972) (a 320 kbps)

2010-12-25T11:03:00.001-08:00

Es Navidad!!!, escuchemos un par de discos navideños, empecemos con una visión diferente de la Navidad, con este ep. que grabaron en 1972, los queridos y deformes Résidents, y se lo mandaron como obsequio a varias personas, entre ellas, quien en ese momento fuera el presidente de los Estados unidos.

link en comentarios

Al Caiola - Solid Gold Guitar Goes Hawaiian (a 320 kbps)

2010-12-22T17:23:00.000-08:00

Ayer, en este hemisferio, comenzó el verano!!!, e insistiendo con un maravilloso cliché, hoy tenemos, verano=playa=Hawaii.
Pero nada de nombres raros, eh, ésta es música hawaiiana, pero imaginada por un guitarrista ítaloamericano, nuestro querido y nunca bien ponderado, Al Caiola!!!.
Si bien este es un disco que yo no pondría a la altura de una obra maestra, es simpático y agradable, y puede acompañar un momento de similares características.
link en comentarios...

Raúl Barboza, La tierra sin mal (1999) (a 320 kbps)

2010-12-17T22:30:00.000-08:00

Verano pero litoraleño, y con Raulito Barboza.

Ali Farka Toure with Ry Cooder, Talking Timbuktu (1994) (a 320 kbps)

2010-12-12T08:03:00.000-08:00

Disco bello y arrullador, del guitarrista de Malí, Alí Farka Touré, con Ry Cooder!.
Escúchese recostado, relajado, o en un estado oniroide.
Pronto se viene una selección de discos con tintes lounge, para el veranito!.
link en comentarios

The art ensemble of Chicago, Fanfare for the warriors (1973) (a 320 kbps)

2010-12-09T07:08:00.000-08:00

Por el año 60, Ornette Coleman con algunos amigos, entre ellos, Freddie Hubbard, Don Cherry y Eric Dolphy, grabaron el disco, Free Jazz (a colective improvisation), comenzando una nueva forma y concepción del jazz, cosa que ya nos venía avisando con su The shape of jazz to come, la forma del jazz que se viene.
El Free jazz incluía la improvisación colectiva, generalmente libre de tonalidad, y por otro lado, cierta tendencia a volver a las raíces africanas, por lo cual, muchas bandas de Free jazz usaban percusiones y hasta vestimentas africanas, como por ejemplo, el Art ensemble of Chicago. Aquí uno disco de este interesante colectivo artístico!.
link en comentarios.

Peter Green, The end of the game (1970) (a 320 kbps)

2010-12-01T21:56:00.001-08:00

Siguiendo con las zapadas psicodélicas, Peter Green, en su primer disco, antes de su partida de Fleetwood Mac.
Como ya dijimos en algún momento, luego de que Peter Green se vaya de los Bluesbreakers de John Mayall, y Mick Fleetwood y John McVie se fueran con él, formaron Peter Green's Fleetwood Mac, y luego simple y definitivamente Fleetwood Mac.
Luego de varios discos, Peter Green se fue de la banda, y de la realidad ordinaria, pero antes de pasar unos años de internación y electroshocks, grabó esta terrible zapada, El final del juego.

Omar Rodriguez-Lopez and Damo Suzuki, Please heat this eventually (2007) (a 320 kbps)

2010-11-30T19:03:00.000-08:00

Please heat this eventually, un delirio oficiado por el loco de Mars Volta, Omar Rodriguez-Lopez, y uno de los cantantes de Can, Damo Suzuki, quien aparece en algunos de los mejores discos de dicha banda. Una conjunción explosiva que se manifiesta en una zapada de unos 25 minutos, de rock con riffs de tintes orientales, intensa psicodelia, mezclado con algo que se podría denominar free jazz.
linkencomentarios.

Manu Dibango, African Voodoo (1972) (a 320 kbps)

2010-11-30T06:38:00.000-08:00

Multiinstrumentista nacido en Camerún, que alguna vez anduvo tocando con el nigeriano Fela Kuti. Así como Fela había creado su ritmo Afrobeat, Manu creó su propio estilo, la Makossa, y tuvo su éxito Soul Makossa, pero además ha tocado jazz, ha grabado con músicos cubanos, y entre sus varios discos de funk y fusión, tiene Africadekic, y este, African Voodoo, con saxos, flautas, órganos,percusiones, y mucha negritud!!!.
link en comentarios.

Stevie Wonder, Fulfillingness' first finale (1974) (a 320 kbps)

2010-11-22T16:27:00.000-08:00

luego comentario.

Oscar Pettiford. Basically Duke (1956) (a 320 kbps)

2010-11-19T07:14:00.000-08:00

Cortito, pero hermoso.
Tocan:
Oscar Pettiford: contrabajo
Jimmy Hamilton: clarinete
Ossie Johnson: batería
Earl Knight: piano
Dave Schildkraut: saxo alto
Danny Banks: saxo barítono
Jimmy Cleveland: trombón
Clark Terry, Joe Wilder: trompetas
.
link en comentarios.

Buck Clayton y Buddy Tate, Buck and Buddy (1961) (a 320 kbps)

2010-11-19T05:23:00.000-08:00

Discazo de jazz!!!

Tocan...

Buck Clayton: trompeta

Buddy Tate: saxo tenor

Sir Charles Thompson: piano

Gus Johnson: batería

¿que mas querés?... ¿a Jane Birkin???
Bueno, acá la tenés:

link en comentarios!!!.

Roy Hargrove & The RH Factor, Hard Groove (2003) (a 320 kbps)

2010-11-15T23:39:00.000-08:00

Una suerte de "dream team" de soul hip-hop jazz, con invitados como Erykah Badu, y D'Angelo, todo dirigido por el trompetista Roy Hargrove.

linkincomments...

Gil Scott-Heron, Spirits (1994) (a 320 kbps)

2010-11-14T21:20:00.000-08:00

Gil Scott-Heron es un poeta, novelista, cantante y músico norteamericano, que a fines de los 60's, ya habiendo publicado una novela, "el cuervo", comenzó a realizar presentaciones y graabaciones de sus poemas, con un gran contenido de protesta social y bastante ironía, acompañado de tambores, y por momentos de algún piano, grabó poemas como, "la revolución no será televisada", y "el blanco está en la luna"; luego se encontró con Brian Jackson, pianista y flautista, con el cual grabó unos cuantos discos, todos realmente buenos, destacando, por ejemplo, pieces of a man, y winter in America.

Desde 1982, estuvo 12 años sin grabar ningún disco de estudio, para luego volver poderosamente en 1994, y luego no volver a grabar hasta el año 2010, el extraño "i'm new here", como diciendo, aquí estoy, vivo todavía.

Pero hoy voy a hablar de Spirits, disco de 1994.

Comienza con "message to the messengers", un tema hablado, ya no acompañado con tambores, como en sus épocas primigenias, sino con bajo, batería y sonidos producidos por la boca del mismo Gil, una introducción como para ponernos en un estado expectante.

Luego, el jazz denso y misterioso de "spirits", con un saxo inquietante, un piano que suena como en el viejo "winter in America", pero mas poderoso, y Gil cantando sabiamente.

Sigue la parte mas relajada del disco, tres baladas blueseras de ensueño, "give her a call, lady's song, y spirits past, y las últimas notas de teclados de ésta tercer canción, indescriptibles, solo hay que escucharlas.

Y de la parte mas relajada y ensoñada del disco, pasamos directamente a la parte mas densa y misteriosa del disco, el triple tema "the other side", que incluye en parte otra canción de Heron, "home is where the hathred is".

En "the other side" la densidad va in crescendo, paulatinamente, hasta transformarse en una especie de jazz ritual, una zapada demencial de jazz rock, que se va completamente al carajo.

Work for peace es otro recitado, un poco mas rapeado, sobre una base electrónica, donde Gil nos recuerda que su existencia es imprescindible para la existencia del rap.

Terminamos con "don't give up", una base de lo mas groovera, y un Gil Scott-Heron mitad cantando, y mitad rapeando.

Bueno, escuchemos!!!.

link en unos minutos

George Harrison, George Harrison (1979) (a 320 kbps)

2010-11-12T20:39:00.000-08:00

Disco homónimo de George.

linkencomentarios.

It was recorded during a period of domestic happiness in which Harrison married Olivia Trinidad Arias and his son Dhani was born.
cachai?

1. Debido a la afición de Harrison de viajar tras la publicación de Thirty Three & 1/3, no comenzó a grabar un nuevo álbum hasta mediados de 1978, si bien a lo la largo de su tiempo libre había escrito nuevas canciones. Volviendo a unirse con un productor por primera vez en años, eligió a Russ Titelman para que le ayudara en la realización de George Harrison, grabado en su estudio personal de Friar Park, con las secciones de cuerda registradas en AIR Studios. Entre los artistas invitados figuran Steven Winwood, Gary Wright y Eric Clapton.

2. El álbum fue precedido por el single "Blow Away", que alcanzó el puesto #51 en las listas de éxitos británicas y el #16 en las estadounidenses. Tras su publicación, George Harrison recibió críticas compasivas, alcanzando el puesto #39 en el Reino Unido y el #14 en Estados Unidos, donde fue certificado como disco de oro.

En 2004, George Harrisom fue remasterizado y reeditado tanto por separado como junto a la caja The Dark Horse Years 1976-1992, con el demo "Here Comes the Moon", grabado en Hawaii, como tema adicional.

3. a ver...

Todas las canciones compuestas por George Harrison excepto donde se anota.

"Love Comes to Everyone" – 4:36
- Incluye una introducción en la guitarra interpretada por Eric Clapton, que posteriormente versionaría en su álbum Back Home.
- es un mensaje de amor y de paciencia para el recibir el amor, amor universal!
"Not Guilty" – 3:35
Tema de la época Beatle, con una melodía hermosa y una letra que no podremos saber en que intermedio del inconsciente se relaciona tan bien con la música.
"Here Comes the Moon" – 4:48
- Secuela lírica de "Here Comes the Sun" y no sólo eso, a George le gustaba jugar con las palabras...responde a su tema Here comes the sun, con una Luna, "todo el mundo está hablando in the tormenta..." pero qué sucede luego?...escuchen el tema!
"Soft-Hearted Hana" – 4:03
- Escrita tras una experiencia con hongos psilocibios en Maui
- Incorpora ruido ambiental procedente del pub "The Row Barge", en la localidad de Henley-on-Thames
- Un tema de guitarrista, amante de su guitarra, día y noche, vigía de la sonoridad de las cuerdas, el ruido ambiental similar a una suerte de collagge como My Friend de Hendrix a quién George amaba...
"Blow Away" – 4:00 Es el hit, en el sentido de punto de luz del disco, un videocilp en el cual George se muestra con un humor taciturno, por qué digo taciturno? porque todo juego poético es humor respetuoso y no cháchara, pero la calidad del tema y la claridad de la letra, dedicado a Dhani que recién nacía, nos hace comprender que el humor a éste nivel es un sano modo del amor; ahora bien, el video transmuta humor del que hablo (amor y chiches para su hijo), el tema es otro importante y sagrado mensaje de amor.
"Faster" – 4:46
- Incorpora ruido procedente del Gran Prix de Inglaterra del 16 de julio de 1978
- Su amor por los "fierros" :P u automóviles, y por la grandeza de los que juegan (volvemos al tópico del juego) los corredores, otro video que con un disparo de rifle nos hace un guiño claro...Por otra parte... una hermosa canción!
"Dark Sweet Lady" – 3:22 Una de las canciones de amor más dulces que yo he escuchado, guitarra y amor, qué diferencia cualitativa podemos interpretar entre una a modo de herramienta musical y un amor de quién encuentra un alma afín?
"Your Love Is Forever" – 3:45 No hace falta más que escuchar el tema...la complejidad de la armadura de una canción, el obraje, las partes, la armonía no en términos musicales sino en términos de creación de la canción!
"Soft Touch" – 3:59 La felicidad de George, en una música que anima el ánima! y con letra conciente!
"If You Believe" (George Harrison, Gary Wright) – 2:55 La intro de guitarras el grande del slide en afinación standard, la poesía, "si vos creés, en mi" "desperta al amor que te rodea" "si creés en vos, u en mi" el karma de los que anhelan hacer las cosas bien!
"Here Comes the Moon" (demo version) - 3:37
- Demo publicado en la reedición del álbum en 2004
- Más anodino, el origen del tema, guitarra y voz...simplemente actúan como si no...pero acá viene...

Espero disfruten éste disco, todos los discos de George son maravillosos, cómo cualquier disco de cualquiera con amor a lo que se dedica!
chau, muah!
Manuherdefran Martinicorena.

Rodolfo Alchourron, Parábola (1980) (a 320 kbps)

2010-11-10T13:01:00.000-08:00

Con decir que tocan: Dino Saluzzi, Rodolfo Mederos, Manolo Juarez, Litto Nebbia... creo que basta.

linkencomentarios...

Donald Fagen, Kamakiriad (1993) (a 320 kbps)

2010-11-10T08:59:00.000-08:00

A ver... definición de "cool"... solo se me ocurre definirlo con sonidos, con palabras solo he encontrado un sinónimo: Donald Fagen.
Escuchate este disquito, y no solo vas a tener una explicación de lo mas elocuente y exhaustiva de lo que significa "cool", sino que además, vas a salir mas "cool" de la experiencia!.
El segundo solista de Donald.
linkencomentarios.

Roy Ayers Ubiquity, Red black & green (1973) (a 320 kbps)

2010-11-05T11:32:00.000-07:00

Roy Ayers, músico influyente y muchas veces sampleado, en un principio fue vibrafonista de jazz, luego fue mutando su estilo hacia el funk, y el soul, comenzó a cantar además de tocar, hizo la música de la película "Coffy", la cual era una negra policía, así como tambien estaba Shaft, cuya música era de Isaac Hayes.

Este disco incluye clásicos, como Ain't no sunshine, y Papa was a rolling stone, el groove avasallante de Red, black and green, y un tema llamado Day dreaming, que sería el soundtrack perfecto para el paraíso terrenal.
La cuestión es que Roy Ayers, además de tener una onda impresionante, es "el vibráfono del funk", y su banda se llamaba Ubicuidad, o sea, la capacidad de estar en mas de un lugar a la vez. Un capo, el negro!.

linkencomentarios.

Cal Tjader & Stan Getz, (1963) (a 320 kbps)

2010-11-03T16:25:00.000-07:00

Eduardo Rovira, Tango en la universidad (1966) (a 320 kbps)

2010-10-26T23:29:00.000-07:00

Moderno, profundo, delicado y tanguero, este discazo de Eduardo Rovira, fue grabado en 1966 con su trío, integrado por el fueye de Rovira, mas Fernando Romano en bajo y Rodolfo Alchourron en guitarra eléctrica, (recordemos que Rodolfo es el autor de los arreglos orquestales de Laura va, de Almendra), mas un oboe invitado, Pedro Cochiararo.

link en comentarios.

Morton Feldman, Three voices for Joan la Barbara

2010-10-20T14:04:00.000-07:00

Mas voces!

Meredith Monk, Dolmen Music (1981) (a 320 kbps)

2010-10-12T22:35:00.001-07:00

Meredith Monk, virtuosa intérprete vocal, compositora, bailarina, coreógrafa, la "mujer de la cara roja", en la película Uncle Meat, de Frank Zappa.
Aquí nos trae este intenso viaje de voces.

Yoko Ono, Season of glass (1981) (a 320 kbps)

2010-10-01T09:35:00.000-07:00

Este disco es el primero que grabó Yoko Ono luego de la muerte de John Lennon. El él, impera la extraña voz de Yoko, con acompañamientos sutiles, saxos, bellas baladas frágiles, y otras canciones mas nerviosas.

Con este disco me sucedió que, yo lo veía en su edición original de vinilo, en un lugar donde no podía escucharlo, y al ver la tapa, me imaginaba un poco el clima del disco, el cual terminó siendo bastante parecido a como lo imaginaba.

Luego de este comentario personal y un tanto irrelevante, a escuchar!!!.

comentario en links, quiero decir, link en comentarios.......

Fleetwood Mac, Then play on (1972) (a 320 kbps)

2010-09-29T01:46:00.000-07:00

Para hablar de este album, primero debemos hablar acerca de una banda importantísima para el blues, y el rock ingleses, John Mayall and the bluesbrakers. por esta banda pasaron, por ejemplo, Eric Clapton, quien luego se fue a Cream, Mick Taylor, antes de entrar a los Rolling Stones, y durante un tiempo, el reemplazante de Clapton fue el guitarrista Peter Green; al irse Peter, no se fue solo, se llevó a dos integrantes mas: el baterista Mick Fleetwood, y el bajista John McVie. Estos tres, mas Jeremy Spencer, formaron Peter Green's Fleetwood Mac, que luego se llamó simplemente Fleetwood Mac. Ya desde el comienzo, tuvieron un éxito, que luego fue versionado por Santana, black magic woman.
Esta formación grabó cuatro discos, luego Jeremy Spencer se fue al carajo con una secta, y peter Green se fue al carajo con el LSD, y fue internado por unos años, recibiendo terapia de electroshock, aunque antes, grabó su primer disco como solista, un viaje psicodélico de una especie de blues casi free jazz, el disco The end of the game, con una fiera en la portada.
Antes de disolverse esta primigenia formación de Fleetwood Mac, para que luego hubiera otras formaciones, solo manteniendo a Fleetwood y a Mc, grabaron Then play on, un disco extenso, psicodélico, por momentos crudo, por otros misterioso, melancólico, de una variedad de climas que me hace pensar en la música de More, de Pink Floyd.
Then play on!!!
link en comentarios...

Can, Ege Bamyasi (1972) (a 320 kbps)

2010-09-26T09:51:00.000-07:00

Para hablar del Kraut rock, deberíamos decir que ha sido uno de los movimientos mas vanguardistas y mas eclécticos del rock, y que ha acontecido en la Alemania occidental, desde fines de los años 60's, hasta mediados de los 70's, aunque varias bandas de dicho movimiento, continuaron grabando y tocando incluso hasta la actualidad.

Podemos hablar, principalmente, de grupos de un estilo rockero mas definido, como Faut, Can, Guru guru, y otros que si bien tenían momentos de une stilo propio del rock psicodélico, se acercaban mas a la música ambiental, llamada "cósmica", como Tangerine Dream, y Popol Vuh.

El Kraut rock, reunía el estilo psicodélico del primer Pink Floyd, con la vanguardia electrónica, incluso varios músicos de Kraut fueron alumnos de Karlheinz Stockhausen, y cierto interés por la música oriental, e incluso las culturas precolombinas, como está claro en Popol Vuh.

Ege Bamyasi es un importante disco de Can, todavía con Damo Suzuki como cantante.

(este disco fue grabado luego de una ingesta colectiva de okraschoten)

link comentarios eaea.

Tamba trío, Tempo (1964) (a 320 kbps)

2010-09-24T07:25:00.000-07:00

Estamos ante un hiper disco de la música brasileña, Tempo, del Tamba Trío. Formado por Luis Eça en piano, Elcio Milito en batería y Bebeto en bajo.

Sonaban increíblemente modernos en ese año 1964, y no dejaron de evolucionar con el tiempo; han influenciado a muchos músicos brasileños, el hecho de que Ivan Lins viera a Luis Eça tocar, fue decisivo para su historia musical, acompañaron a varios cantantes, entre ellos dos Edú Lobo, con el cual hicieron otro gran disco, tambien por esa época, y es menestér recordar que Luis Eça, tocó en vivo con Bill Evans, y yo, personalmente, nunca toqué en vivo con Bill Evans.

Entonces, un gran disco, ampliamente disfrutable, con hermosos arreglos de voces y el agregado de cuerdas y vientos cuando es necesario.

Francisco.

link en comentarios.....

George Russell, Electronic sonata for souls loved by nature (1969) (a 320 kbps)

2010-09-01T00:33:00.000-07:00

mañana un bello comentario, hoy, disco.
---
hoy es mañana
el comentario no es bello, antes de comenzar voy a nombrar a Stockhausen, a Berg, a Cage, y decir que los adoro (personalmente a Alban y a Bartok, a Bill Evans que compartió su arte y su vida con George Russell, a Boulez, y por no nombrar más...)
Cuando se redacta una reseña sobre un disco es casi inevitable hablar de estilos o comparar el disco con otros discos para establecer analogías, y la reseña se supone que es un gesto amistoso para recomendar o regalar como en el caso de éste blog la música anticipándola o anexándole palabras.
Pero éste disco no permite demasiado el estilo analógico sin metáfora. Así que es ésto o conseguir el teléfono de Celeste Cid (for me and my monkey):
La sonata electrónica para almas amadas por la naturaleza comienza con un riff de contrabajo en el primer evento, un riff que perfectamente le podría caber de base a un tema de Hendrix o del rock de esos años y aún relevadamente: éstos, siempre que sepan tocar... enseguida la electrónica se hace presente con acordes plagados de armónicos o conformados por ellos, el piano insiste con dos acordes mientras aparecen los vientos haciendo la primera melodía octavada la cual remite al jazz de esa época con un aire de mansedumbre que probablemente insinúen el piano y la base de contrabajo que permanecen insistiendo firmes. Luego la improvisación sobre la melodía conforma un corpus freejazzero, con sonidos específicamente intercalados, me asombran los armónicos, lo agudo en los intersticios,
la electrónica descansa sobre el inicio del evento dos, un paisano lo pensaría en términos de un teléfono sonando pasado por un agujero negro, un paisano físicocuántico; así los primeros acordes escritos como antes las cuerdas o los vientos, pero sonidos novedosos para el que se atiene a los instrumentos clásicos o de uso común aún en la actualiadad, el 99 por ciento de la música cotidana.
En el evento tercero se vuelve a sumar el bajo haciendo tiempos marcados pero erráticos, la batería se lanza a jugar más osadamente y los vientos y la electrónica también danzan ya en otro ritmo de la naturaleza o de las almas amadas por ella.
La sucesión al cuarto episodio es también fluída, con un acorde casi estático como obertura puramente electrónico, y en seguida piano y saxo sobre ese bello colchón tocan una balada nacida de ese mismo substrato y planeada como una serie de acordes en modo lidio-cromático, batería y bajo, es decir la tonalidad planteada como acordes con séptima mayor y alteraciones eventuales en los otros intervalos construídos sobre una temática tonal que se hace modal pero sólo en éste particular sistema, así acompañan tenuemente.
Quinto episodio: más espacial en sentido cósmico, otra intro electrónica con armónicos y en seguida otra melodía a cargo de los vientos y el cuarteto de instrumentación más tradicional jazzera, con linda experimentación rítmica muy sincopada, es el segundo motivo melódico tradicional que aparece en la obra, de nuevo seguido de improvisaciones sobre ese acorde cambiante solo en el estilo de cambios, tonal, ideado por Russell en su método lidio-cromático (insisto) con intervalos de acordes electrónicos y altibajos en los decibeles.
La tonalidad cede ante la ebriedad de la tensión armónica, lo modal se percata y le echa una mirada excitada.
El sexto evento consiste al parecer en darle más libertad (o lo así declamado con el término "free" antepuesto a lo llamado jazz) a toda la orquestación, anticipado por el final del quinto que lo evoca ya, pero aquí hay acordes electrónicos más presentes y éstos se arpegian en armónicos más firmemente que antes; un walkin bass sobre ello nos pone claramente ya en un disco original y a mi parecer no parecido a nada y todos los instrumentistas se lanzan sobre ello intensamente.
Aquí hay una sorpresa, una magia eventual.
Por eso es que les debo el resto de los eventos ya que así a éstos los percibí yo, pero es de una subjetividad tan placentera que no tiene caso darle más palabras a la obra.

Sólo queda comentar acaso que el segundo track del disco que contiene el resto de las partes de la obra, la cara dos del original LP, está afectado por la música oriental y étnica del mundo, además interviene la voz humana hablada en varios idiomas y el patrón es más rítmico, quiero decir que el ritmo te lleva, en palabras simples. Además aparece un solo de guitarra eléctrica que asombra muy al principio, luego su mera interrupción, después un piano en un ritmo latino anuncia otra melodía cercana al latin jazz, más aún breves reminiscencias al blues y al jazz de los 40´s pero tratado modernamente, y en definitiva si leyeron éste moño de reseña, éste nudo, masomenos comprenderán, de lo que va la obra, después hay wah wah´s, etc, no sé qué le falta... Celeste Cid? no, la mujer no está ausente en todo ésto, y no se trata de la que puede ser convertida en trivial así nomás acaso por genuino talento hedónico balbuceante; un ascetismo de santo se yergue (ver bien en qué consisten los santos y los santónes); escuchen y opinen, si se la bancan, durando aproximadamente 50 minutos y un poco más!
un genio como Russell o como cualquiera, pero sobretodo un respetuoso (idea mía), no admite reseñas, abdico de todo lo anteriormente comentado o en todo caso lo refiero a modo de anécdota.
saludos.
Manuel Martinicorena.

otras obras:

http://theuniversalmindof.blogspot.com/2009/04/george-russell-new-york-ny-1958-1959.html

http://theuniversalmindof.blogspot.com/2008/10/george-russell-jazz-in-space-age-1960.html

http://theuniversalmindof.blogspot.com/2008/11/bill-evansgeorge-russell-living-time.html

gracias.

Lee Perry and the Upsetters, Super ape, (1976) (a 320 kbps)

2010-08-17T21:00:00.000-07:00

Disco histórico del dub, de nuestro estimado Lee Perry, experimentador de la consola, productor, colaborador de Bob Marley y fumador de innumerables petardos iridiscentes, aquí con sus viejos amigos, los Upsetters.

Es un disco con ruiditos de todo tipo, flautas y voces varias. Ecos de la selva.

link en comentarios.

Fela Kuti and the Africa 70, Open and close (1971) (a 320 kbps)

2010-08-16T06:40:00.000-07:00

Uno de los primeros discos de Africa 70, agrupación del músico multiinstrumentista nigeriano Fela Kuti, que grabó numerosos discos y que además fue político, creador del "Movimiento del pueblo".

No voy a hablar demasiado de su vida, solo resumirla en que su lucha por los derechos de los negros, y los derechos humanos en general, fue intensa, y recibió fuertes ataques.

Su música es propiamente africana, utilizando elementos del funk, el jazz moderno, e instrumentos eléctricos, pero amoldándolos a la esencia del sonido africano; incluso rechazó una oferta de Motown, por no querer acortar la duración de sus temas.

Un disco para andar un rato sobre un elefante.

link en coments

Terry Riley, Shri Camel (1978) (a 320 kbps)

2010-08-01T12:25:00.000-07:00

Terry Riley es un compositor estadounidense que a comienzos de los 60's se juntaba mucho con La Monte Young y con los pibes del fluxus, y que al igual que La Monte, se interezó profundamente por la música de la India, viajando a este país para aprenderla, allí conoció y estudió con Pandit Pran Nath. Luego, en 1964, compuso algo histórico para la música contemporánea, In C (en do), donde aparecen dos cosas importantes, el componente aleatorio, y la repetición de estructuras rítmicas, por lo cual, probablemente sea la primera composición de música minimalista.

Luego de unos pocos años, comenzó a grabar composiciones minimalistas con sintetizadores, las cuales incluían improvización, y grabó con John Cale, ex Velvet Underground, y con el músico de jazz Don Cherry. Actualmente colaboró con el Kronos quartet, con una composición que incluye sonidos tomados en el espacio exterior.

Este disco es del año 1978 y es un buen ejemplo de las composiciones minimalistas para sintetizadores, con el estilo propio de don Terry Riley.

Que viajen lindo!

link en comentarios...

Shusha - Persian Love Songs And Mystic Chants (1973) (a 320 kbps)

2010-07-28T22:19:00.000-07:00

Cantos místicos y canciones de amor persas.

link en comentarios...

Eric Dolphy - Far Cry (1960)

2010-07-25T23:43:00.000-07:00

Bass - Ron Carter
Drums - Roy Haynes
Piano - Jaki Byard
Saxophone [Alto], Clarinet [Bass], Flute - Eric Dolphy
Trumpet - Booker Little

1. Mrs. Parker Of K.C. (Bird's Mother)
2. Ode To Charlie Parker
3. Far Cry
4. Miss Ann
5. Left Alone
6. Tenderly
7. It's Magic
8. Serene

Disco de 1960, del brillante Eric Dolphy con Booker Little en trompeta.
Eric por ésa epoca tocaba con Ornette Coleman free jazz, avanzaba sobre ideas del bebop convirtiéndolo en un post bebop o plus bebop y en buena medida se aprecia en éste disco lo que después desarrollaría con Coltrane, su virtuosisimo y gusto para la improvisación; y también hay algo de la libertad de líneas en los solos que también hace recordar lo que comenzaría a hacer Miles en discos como por ejemplo E.S.P. con su quinteto. El disco está ensamblado u "arreglado" de manera muy sutil.

Eric Dolphy (Los Ángeles, 20 de junio de 1928 - Berlín, 29 de junio de 1964), flautista, clarinetista (bajo) y saxofonista (alto) estadounidense de jazz. Aunque con aproximaciones exitosas al bop, su ámbito estilístico es el de la vanguardia jazzística en general, incluido el free jazz. Es un solista exuberante y un músico permeable a la utilización de sonidos no convencionales en sus interpretaciones.

Dolphy fue el primer flautista en desvincularse del bop (influido por James Newton) e introdujo y desarrolló el uso del clarinete bajo en el mundo del jazz como instrumento de solista.

Las primeras grabaciones de Dolphy las realizó durante su estancia con la orquesta de Roy Porter, en Los Ángeles, entre 1948 y 1950. Estuvo en el ejército durante dos años y después tocó anónimamente en esa misma ciudad hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958. En 1959 se estableció en Nueva York y se unió al Charles Mingus Quartet. Hacia 1960, grababa de forma habitual como líder para Prestige y conseguía ganar atención a su trabajo con Mingus, aunque con dificultades debido a su innovador estilo. Durante 1960 y 1961 grabó, entre otros, tres discos en el Five Spot acompañado del trompetista Booker Little, tocó free jazz con Ornette Coleman, participó en algunas sesiones con Max Roach y en varias en Europa.

A finales de 1961, Dolphy pasó a formar parte del John Coltrane Quintet; su actuación en el Village Vanguard provocó críticas conservadoras, acusándosele de tocar anti-jazz en unos solos extensos y muy libres. Durante 1962 y 1963 tocó un jazz más clásico con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y siguió experimentando con su propio grupo. En 1964 grabó su disco clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Charles Mingus Sextet. Se estableció en el continente y murió a los 36 años por un coma diabético.

Brown and Roach Incorporated (1954)

2010-07-19T11:47:00.000-07:00

Sweet Clifford	Clifford Brown	(6:41)
I Don't Stand a Ghost of a Chance with You	Bing Crosby, Ned Washington, Victor Young	(7:19)
Stompin' at the Savoy	Benny Goodman, Edgar Sampson, Chick Webb, Andy Razaf	(6:23)
I'll String Along with You	Al Dubin, Harry Warren	(4:09)
Mildama	Max Roach	(4:30)
Darn That Dream	Eddie DeLange, James Van Heusen	(4:02)
I Get a Kick out of You	Cole Porter	(7:36)

Clifford Brown (tp) Harold Land (ts) Richie Powell (p) George Morrow (b) Max Roach (d)
grabado en Capitol Studios, Melrose Avenue, Los Angeles, CA, primeros días de August, 1954

Clifford Brown, nació el 30 de octubre de 1930 y a los 22 años ya era una estrella de la trompeta y había trabajado con Tadd Dameron, Art Blakey y Lionel Hampton. Con el vibrafonista, realizó incluso una gira europea de la que afortunadamente quedan testimonios discográficos. A los 23 años realizó las primeras grabaciones a su nombre (especialmente significativa, fue el tema: "Easy Living", para el sello, Blue Note y al año siguiente ya estaba en la formación que le dio fama y prestigio en el mundo del jazz: el quinteto que formó con el baterísta, Max Roach.

Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Richie Powell (September 5, 1931 – June 26, 1956).

Powell es de New York City, y es el hermano menor de Bud Powell (ya sabemos que quién hablamos). A pesar de ésta cosita de ser el hermano menor de uno de los pianistas más influyentes de la época, es recomendable y creo que necesario escucharlo, porque como decía Miles que los músicos debían hacer, Richie encontró su propio sonido.

Éste disco es del año 1954, y ese quinteto que éstos músicos pusieron en marcha, y que duró hasta la trágica muerte en accidente de trafico de Brown, Richie Powell y la esposa de Powell.

...

Músicos dedicados y acaso sabios.
Disfruten el disco!

Curtis Mayfield, Roots (1971) (a 320 kbps)

2010-07-14T00:56:00.000-07:00

Volvemos con todo el funk, el soul y la negritud efervescente de Curtis Mayfield. Curtis comenzó su carrera artística en 1960, cuando entró a los Impressions, y luego de diez años, lanzó su primer disco solista llamado simplemente Curtis. Hoy tenemos sus segundo disco solista, Roots, con bellos arreglos orquestales y cierta cuota de psicodelia.

La excesiva tardanza en volver a subir un disco, se debió a problemas personales.

link en comentarios.

Donny Hathaway, Extensions of a man (1973) (a 320 kbps)

2010-05-29T13:41:00.000-07:00

Vamos con un disco del productor, cantante, autor y tecladista, Donny Hathaway, uno de los negros mas buena onda del soul de su época, que ha cantado a dúo con otra negra copada, Roberta Flack, con quien grabó un disco. En este caso tenemos Extensions of a man, un gran disco de Donny, con bellos arreglos orquestales y la presencia del piano eléctrico.
Muy recomendable para todos aquellos que les gustó el What's going on, de Marvin Gaye.
link en comentarios

Bob James, One (1974) (a 320 kbps)

2010-05-05T14:38:00.001-07:00

Aquí tenemos un buen disco del pianista y tecladista de jazz moderno, Bob James, quien tambien ha interpretado composiciones de Bach, Scarlatti... Este disco combina climas muy diversos, orquestaciones con una densa sección de vientos, con climas relajados y apacibles. Incluye una interesante y hasta divertida versión de Cima del monte calvo, de Modesto Mussorgsky, una mas que agradable versión del clásico Feel like making love, y mi momento preferido, Nautilus, un emocionante periplo subacuático con corales, algas, escafandra y todo.

link en comentarios.

Eberhard Schoener, Meditations, Sky music (1972, 1973) (a 320 kbps)

2010-04-20T09:20:00.000-07:00

Simplemente dos bellos discos de música ambiental con sintetizadores, realizados por el alemán Eberhard Schoener.
link en comentarios ambientales.

Vangelis, Invisible connections (1985) (a 320 kbps)

2010-04-11T15:53:00.000-07:00

Vangelis es un artista que ha compuesto música de una variedad increíble, este disco, forma parte de su faceta mas experimental, como Beaubourg. y fue grabado para el sello alemán de música clásica Deutsche Grammophon.

link en comentarios.

13th Floor Elevators, Easter Everywhere (1967) (a 320 kbps)

2010-03-22T20:37:00.000-07:00

Segundo disco de los 13th floor, despues les cuento mas.

link en comentarios.

The Rolling Stones, Between the buttons (UK) (1967) (a 320 kbps)

2010-03-01T22:14:00.000-08:00

Y por fin, nuevamente, The Rolling Stones, una banda de la cual se podría decir que casi todos la conocemos, o sabemos de su existencia. En sus primeros discos, su repertorio consistía mas que nada en versiones de temas de rythm n' blues, y rock and roll, de artistas como Chuck Berry, aunque intercalaban temas propios, en sus lp's y sus singles; pero en 1966, apareció el disco "Aftermath", que solo tenía canciones compuestas por ellos. Hubo dos ediciones, una para el Reino unido, y otra para los Estados unidos; esta segunda comenzaba con "Paint in black", pero en U.K. esa canción salió como single, otro single fue la hermosa canción "Lady Jane".

El que tenemos aquí, "Between the buttons", es el segundo disco con canciones propias de los Stones, que tambien tuvo dos versiones, de las cuales, me gusta mas esta, la del Reino unido, que si bien no tiene la bella "Ruby tuesday", de Keith Richards y Brian Jones, tiene en su lugar "Back street girl", una de mis baladas Stone predilectas.

Luego puedo decir que el disco contiene rock and roll del mejor, y algo de psicodelia, y que mis momentos preferidos son "Yesterday's papers", con Brian Jones tocando el vibráfono, la ya mencionada "Back street girl", la irresistible"Connection", la perte intermedia psicodélica de "Please go home", y "Complicated".

Fue producido por Andrew Loog Oldham, el que tocó con Charly García.

link en comentarios.

The Zombies , Odessey and oracle (1968) (a 320 kbps)

2010-02-20T14:48:00.000-08:00

The Zombies!!!, fueron y son una banda inglesa formada a principios de los 60's en un lugar llamado St. Albans, y estaba constituída por el cantante Colin Blunstone, el tecladista y compositor Rod Argent, el bajista Chris White, y el batero Hugh Grundy. En 1964 ganaron un concurso de música beat y consiguieron un contrato con Decca; su primer single tenía en el lado A la canción she's not there, que además de estár muy bien cantada y ser una linda canción pop, tenía en su parte central un solo de piano eléctrico del mencionado Rod, en un estilo jazzero, cosa extraña para el año 64.
Su primer long play, que se llamó "beguin there", en Inglaterra, y en los Estados unidos simplemente "The zombies", incluía esa canción, y además tenía otras rarezas, mas solos de teclados con tendencia al jazz, acordes disonantes de guitarra, una canción llamada "the way i feel inside" cantada en su primer mitad a capella, una versión de "sumertime", de George Gershwin; estaba claro que eran una banda inusual y vanguardista, dentro del pop y del rock.
Luego, por el año 1967, se dieron cuenta de que, injustamente, las ventas eran escasas y gastaban mas de lo que ganaban, entonces se disolvieron, antes de publicar su segundo disco, el sofisticado "Odessey and oracle", que aquí tenemos, el cual salió a la venta en 1968. Este disco está mas orientado al pop y a los arreglos vocales, y tiene muchas canciones que estaban a la altura de lo mejor de la época; luego de muchos años se reunieron algunas veces, y hasta hicieron una versión de "when love breaks down", de Prefab Sprout, otra banda dificil de superar dentro del pop. Así que "Odessey and oracle", uno de mis preferidos.
link en comentarios.

Fennesz, Endless Summer (2001) (a 320 kbps)

2010-01-24T05:21:00.000-08:00

Vamos con Fennesz, músico electrónico y guitarrista austríaco. A Christian Fennesz lo conocí tiempo atrás, en su disco a dúo con Ryuichi Sakamoto, Cendre, disco que encontrándome en un estado de duermevela, me ha producido bellos viajes a mi infancia; ese disco me gustó mucho, y me dieron ganas de saber que hacía Fennesz en solitario, y así encontré este disco, uno de sus mas conocidos, Endless Summer. Por momentos es mas áspero que el que había hecho con Sakamoto, pero tiene timbres suaves mezclado con otros mas rugosos, bastante "glitch", esa forma de repetir pequeños fragmentos de grabación, como lo que hace Alva Noto.
Entonces, a escuchar este disco de Fennesz, lindo para este verano.Endless Summer.
link en comentarios.

Francisco Garrido noise drone proyecto, Paramatma (enero de 2010) (a 320 kbps)

2010-01-15T11:03:00.000-08:00

Reciente disco del artista argentino Francisco Garrido, esta vez con su proyecto alternativo solista, noise drone proyecto. Es un disco por momentos ruidoso, (o ruidístico) y caótico, y por momentos suave y contemplativo; si bien el generalmente toca el teclado, aquí decidió no tocarlo y utilizar otros instrumentos musicales y no musicales para producir sonidos, incluídas ruedas de bicicleta y burbujas grabadas desde abajo del agua.

link en comentarios.

Prefab Sprout, Let's change the world with music (2009) (a 320 kbps)

2010-01-14T23:14:00.000-08:00

Este es lo (en parte) nuevo de Prefab Sprout; digo en parte, porque si bien salió a la venta hace unos pocos meses, las canciones habían sido compuestas hacia 1993, con la idea de ser el disco entre Jordan: the comeback, de 1990, y Andromeda Heights, de 1997, pero no fue así, porque la maqueta con las canciones fue rechazada. No fue la primera vez que grabaran o editaran algo tardíamente: el disco Protest songs, fue publicado en 1989, luego de From Langley Park to Memphis, pero había sido grabado inmediatamente despues de Steve McQueen, por el año 1985, lo cual se nota en el sonido del disco, y varias canciones de Prefab habían sido compuestas para posibles álbumes nunca editados.

El sonido de Prefab Sprout ha evolucionado notablemente, existen demos y grabaciones en vivo de los primeros años de la década del 80, en los cuales hacían algunas canciones luego grabadas en discos, pero en extrañas versi0nes de una especie de country punk pop, luego entró a la banda Wendy Smith, y ahí fueron tomando el sonido que escuchamos en su primer disco, Swoon, un sonido mas crudo que el del resto de sus discos, y con mucha mas guitarra, sus siguientes dos albumes, Steve McQueen y Protest songs, como fueron cronológicamente grabados, están bastante emparentados entre si, aunque presentan una progresiva proliferación de teclados, la cual llega a su totalidad en los otros dos siguientes discos, From Langley park to Memphis, y Jordan, the comeback, mas pop que los primeros, aunque el segundo con tintes mas elenctrónicos, los dos con la producción de Thomas Dolby, al igual que Steve McQueen. Por otra parte, graban algunas canciones decididamente dance, dos aparecen en su grandes éxitos de 1992, y otras en singles, como Girl, i'm here.

Los dos siguientes discos, anteriores al aquí presente, son los dos conceptuales, en su sonido y sus letras, Andromeda Heights, de 1997, hace referencia a lo sideral, relacionado con el amor, lo cual se nota en sus arreglos entre psicodélicos, sinfónicos y feéricos, y el que le sigue, The gunman and other stories, es un disco de historias del "far west" de los Estados unidos.

Podría emitir una opinión subjetiva acerca de la banda, pero solo recomiendo que quienes no los hayan escuchado, lo hagan, y que luego formen su opinión, y si quieren, me la comenten :)

link en comentarios.

...Pronto!

2010-01-14T00:34:00.000-08:00

Hola!, nos hemos tomado unas pequeñas vacaciones de un par de semanas, que en realidad fueron un poco forzadas por problemas técnicos, pero muy prontito, en un par de días continuaremos con el blogspot!. Algunos de nuestros amigos, cuando les comunicamos nuestro inminente regreso, se pusieron muy contentos, aquí podemos ver sus reacciones.

John McLaughlin:

Thurston Moore:

Thom Yorke:

Joni Mitchell:

Ryuichi Sakamoto no fue muy expresivo:

Algunos no humanos:

Y otros desde el mas allá:

Como John Cage...

Juana Molina, Son (2006) (320 kbps)

2009-12-30T23:47:00.000-08:00

Mi preferido de Juana (compitiendo con Un día); y con esto solo puedo mencionar la connivecia que siento al escucharla. Hay ciertos discos que al escucharlos me olvido de que tambien otras personas los escuchan, y cuando los nombran siento un entusiasmo, como si estuvieran hablando de algo referido a mi; esto me ocurre por ejemplo, con Obscured by clouds, de Pink Floyd, In a silent way, de Miles Davis, Hossiana Mantra, de Popol vuh, y tambien con por lo menos este disco de Juana Molina, son.

link en comentarios.

The Residents, 12 days of brumalia (2004) (a 320 kbps)

2009-12-25T17:40:00.000-08:00

Y por supuesto que... siendo 25 de diciembre, les deseamos...

FELIZ BRUMALIA!!!

Brumalia era la festividad griega dedicada al sol, la cual culminaba el 25 de diciembre, que coincidía con el solsticio de invierno. La navidad, cambiando al sol por el nacimiento de Cristo, fue instaurada por Constantino, allá por el año 300 despues de Cristo.

Y si bien no estamos en contra de la navidad, todos nuestros amigos y familiares están celebrando dicha fiesta, y en este blog, nos encanta ser la excepción.

Pongo este disco, porque si bien no está entre mis preferidos de los Residents, es el único que ellos dedicaron a la festividad de brumalia, a diferencia de Whitsnake, quienes no dedicaron ningún disco a brumalia.

Escucharán: sonido midi medio berreta, drum and bass, atisbos de jazz moderno, todo mezclado en una mezcla deliciosamente enfermante.

link en comentarios.

Carole King, Tapestry (1971) (a 320 kbps)

2009-12-23T17:51:00.000-08:00

Estoy atrasadito con los comenrarios, pero pronto podré los que corespondan. Los dejo con un clásico!!!.

link en comentarios.

anónimo, a ver ese link!!!

Steely Dan, Pretzel logic (1974) (a 320 kbps)

2009-12-18T22:46:00.001-08:00

Comentario por Manuel Martinicorena:

Bueno Fran, acá dejas un disco de Steely Dan. Banda de USA, centrada en Donald Fagen, y Walter Becker. Ambos se conocen en un café donde Donald oye la guitarra de Walter improvisando y le suena muy "contemporáneo, prolijo, me parecía un negro" (Walter había aprendido a tocar con un músico que había tocado con Hendrix) (Fagen desde los 12 años iba a Manhattan a ver a Charles Mingus, Sonny Rollins, Thelonious Monk, y Miles Davis tocar), charlando descubren que oían casi las mismas radios de jazz y deciden tocar juntos y ponerse a componer.Arrancan tocando como banda local de la zona y del colegio, que compartían, a una de estas bandas le ponen el nombre de The Bad Rock Group.Steely dan queda como nombre desde 1972 con el primer albúm de estudio.Como los dos eran fans de la literatura Beatnik eso sale de "Steely Dan III from Yokohama," un vibrador a vapor de William Burroughs en su novela El Almuerzo Desnudo.Es una banda de la década del 70, sí, pero durante los años y hasta la actualidad la banda ha recurrido a cientos de sesionistas manteniendo sólo a Fagen y a Becker como estables.Sumando a esto que éstos dos, no querían ya en 1974 después de los albumes de 72 Can't Buy a Thrill y 73 Countdown to Ecstasy, seguir tocando a ese ritmo en vivo sino ser una banda de hincapié en el estudio y composición. Se va desarmando lo que era un concepto de banda y van quedando solos con sesionistas entonces, aunque en este disco permanezcan Buxter, Hodder y Dias.Para Pretzel Logic de 1974, el álbum de mutación de Steely entre el rock y el jazz-rock-funksión que quedaría en discos posteriores de la banda, los músicos fueron: * Donald Fagen - piano, teclados, voz líder y voces, saxo

* Walter Becker - bajo, guitarra, voces

* Michael Omartian - teclados

* David Paich - teclados

* Timothy B. Schmit - bajo, voces

* Wilton Felder - bajo

* Chuck Rainey - bajo

* Denny Dias - guitarra

* Jeff Baxter - guitarra

* Ben Benay - guitarra

* Dean Parks - guitarra

* Plas Johnson - saxo

* Jerome Richardson - saxo

* Ernie Watts - saxo

* Lew McCreary - corno francés

* Ollie Mitchell - trompeta

* Jim Hodder - batería

* Jim Gordon - batería

* Jeff Porcaro - batería

La banda se va haciendo mas jazzera sin lugar a dudas con el paso de los discos. De este disco que suena muy variado y plural, Rikki Don't Lose That Number, fue el hit del disco, con el aire latino rítmico de la época, la parte uno más clásica dentro del rock, el estribillo pop y unos arreglos ciudadisímos, con un solo de guitarra de un Hendrix clean, digamos.Night by Night es un tema al estilo funk de Steely Dan, el sonido particular que caracteriza y caracterizará a la banda, en ese tipo de temas.Any Major Dude Will Tell You es una bellísima canción, lo más beatle del disco. De los temas mas queridos por los fans.Barrytown, también beat y con un tonito Dylan en el canto y melodía, otra linda canción. "East St Louis Toodle-oo" es un tema de Duke Ellington's y Bubber Miley's, y el único cover de toda la carrera de Steely Dan y en donde Fagen toca un saxo (instrumento que estudió en la adolescencia), además del solo de piano.El disco fue grabado en stereo y también en cuadrafónico.Hay un homenaje a Charlie Parker, "Parker's Band", con Jim Gordon y Jeff Porcaro en batería, y en cada canal, derecho e izquierdo, podes escuchar a cada baterista solo. Este tema en su parte media, (1:33), es también un ejemplo de lo que desarrolaría la banda armónicamente y vocalmente en sus siguientes discos.Hay que notar que es el primer disco en que Becker toca la guitarra, hasta entonces dedicandose al bajo y otros instrumentos.Through with Buzz tiene cuerdas (sinte) y es más experimental, un pedazo de canción, fragmento que es la totalidad.Pretzel Logic, un rock-blues, muy sutil.With a Gun, un country con una letra irónica también al estilo de la banda.Los dos últimos temas quizás los más psicodélicos.Charlie Freak, medio McCartney medio Pink Floyd, es una historia de drogas como otras de Steely, en que el narrador le devuelve al adicto el anillo que éste le vendiera para darse una dosis letal.Cierra con la sárdonica monkey in your soul.Así que tienen para todos los gustos, una banda ecléctica, que permite cuando a uno le preguntan que estilo hace, contestar "yo toco Steely Dan".

Manuel Martinicorena

link en comentarios.

Thelonious Monk, Plays Duke Ellington (1955) (a 320 kbps)

2009-12-12T21:05:00.001-08:00

Y ahora el otro pianista: ¡Thelonious Monk!, interpretando a Edward Kennedy "Duke" Ellington. Hermosa portada, como tambien la del anterior disco; creo que de alguna forma las dos imágenes describen un poco el estilo de cada uno de ellos, como si de un paisaje se tratara.
Monk, mas salvaje, pero tambien elegante dentro de su selva.

.
link en comentarios.

Oscar Peterson, Plays the Cole Porter songbook (1959) (a 320 kbps)

2009-12-11T23:48:00.000-08:00

Seguimos jazzeros: A continuación, dos pianistas de jazz mis preferidos, interpretando a dos compositores; el primero es Oscar Peterson, quizás mi preferido, por estar históricamente ubicado en medio del jazz tradicional y la modernidad, por englobar perfectamente lo que yo considero un pinista de jazz, el jazz interpretado de forma virtuosa, pero sin dejar de ser música popular, y porque toca así como van a escuchar en este disco, en el cual interpreta canciones de Cole Porter.

link en comentarios.

Billie Holiday, Lady in satin (1958) (a 320 kbps)

2009-12-08T00:06:00.000-08:00

Este es el último disco de Billie Holliday, y tiene la particularidad de ser el único que grabó con un orquesta grande y coro, a un modo mas comercial, como grababan por esa época Sarah Vaughan y Dinah Washington; Los arreglos fueron compuestos por Ray Ellis, quien justamente había hecho arreglos para la mencionada Sarah, y para Barbra Streisand.
La grabación de este disco no fue muy facil, ya que Billie estaba en un muy mal estado de salud, y porque ella pasaba bastante tiempo alcoholizada, pero a pesar de que eso se nota en su voz, las interpretaciones de este disco me resultan absolutamente conmovedoras. Triste pero muy bello.
.
link en comentarios.

Joni Mitchell, Blue (1971) (a 320 kbps)

2009-12-03T00:11:00.000-08:00

Joni Mitchell es una cantante y compositora de canciones "folk" que ha experimentado con una gran variedad de afinaciones de guitarra, y luego ha tocado con músicos de jazz; principalmente con el presente en este blog, Herbie Hancock. Y por fin, un disco que hacía un tiempo que quería compartir: Blue, de Joni Mitchell; posiblemente mi preferido de Joni, aunque hay varios, especialmente de su primera época, ya que me encanta escucharla cantar con poca instrumentación; la canción "blue" luego fue interpretada por el flautista Paul Horn. Joni cuenta que con la salida de este disco coincidieron el éxito y una crisis personal en su vida, los cuales la hicieron sentir responsable de ser cada vez mas sincera y de conmover a quien la escucha. Esto mismo en sus palabras: http://www.youtube.com/watch?v=hvLTH8-9Z1I

Mi canción preferida es "little green".

link en comentarios azules.

Merzbow, Merzbuddha (2005) (a 320 kbps)

2009-11-27T10:45:00.000-08:00

Luego de la brasileña Flora Purim, tenía pensado poner un bello disco de Joni Mitchell, pero ocurrió que antes de ello, habrá una interrupción de una hora de ruido. Un amigo ha hecho una filmación con un texto mío, y eligió música de Merzbow para que suene de fondo, por lo cual reconrdé este intenso e interesante disco del japonés ruidoso, volví a escucharlo, y me decidí a subirlo.

Masami Akita, a fines de los años 70's, fundó Merzbow, proyecto que en un principio fue un dúo, quizás haya llegado a ser banda, actualmente es él solo,pero donde lo que importa es el producto final, múltiples discos con ruidos, muchos ruidos, primero hechos con cintas y metales, y ahora con laptops. Además, Merzbow, o sea, Masami Akita, ha hecho música con otros, como nuestro amigo Mick Patton.

link en comentarios ruidosos.

Flora Purim, Butterfly Dreams (1973) (a 320 kbps)

2009-11-25T09:26:00.000-08:00

Flora Purim es una cantante brasileña que formó parte del grupo Return to forever, con Chick Corea , Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira, su esposo.

Los Return to forever formaban parte de la escena del jazz rock, como la Mahavishnu Orchestra y Weather Report, todas esas bandas tenían músicos que recientemente habían tocado con Miles Davis. Luego de la grabación del primer disco de Return to forever, Flora Purim grabó su primer disco solista, Butterfly Dreams. Y suena re lindo!.

link en comentarios.

Quinteto Armorial - Do romance ao galope nordestino (1974) (a 320 kbps)

2009-11-20T07:50:00.000-08:00

Primer disco del Quinteto armorial, integrado por Antônio José Madureira en viola sertaneja, Edison Eulálio Cabral en guitarra, Fernando Torres Barbosa en marimbau nordestino, Egildo Vieira do Nascimento en pífano y flauta y Antônio Nóbrega en rabeca y violín.

Interpretan galopes nordestinos y algun romance ibérico del siglo XVI.

El movimiento Armorial, dirigido por Ariano Suassuna, consistía en tomar elementos folklóricos del nordeste de Brasil, y desarrolarlos en un plano académico.

A disfrutar del disco!!!

link en comentarios.

Gamelan angklung y Gamelan gong kebjar, Gamelan music of Bali (a 320 kbps)

2009-11-12T09:11:00.000-08:00

El gamelán es un ensamble de instrumentos de percusión propio de Indonesia, de las islas de Bali y Java, con tambores, xilofones, gongs, etc. El estilo del gamelán de Bali es bastante mas rápido y mas estridente que el de Java, el cual suena mucho mas "meditativo" (para comparar http://oceanosentrance.blogspot.com/2009/06/javanese-court-gamelan.html).

Gamelan de Bali

link en comentarios.

Miles Davis, Big Fun (1974) (a 320 kbps)

2009-11-11T07:56:00.000-08:00

En los años 60's, Miles Davis se iba acercando al sonido eléctrificado, y al rock; ya en "Miles in the sky" aparece un piano eléctrico (interpretado por Herbie Hancock), en Filles de "Killimanjaro" aparece como instrumento en todos los temas, y en "In a silent way" además hay órgano y guitarra eléctrica, pero en "Bitches Brew" fue mucho mas lejos, e hizo un disco absolutamente salvaje, entregándose totalmente a la fusión. "Big Fun" fue editado en 1974, y está compuesto por temas grabados pocos meses despues de "Bitches..." y alguno un poco posterior. En el año 2000 se reeditó como cd doble con 4 temas mas, pero esta es una edición japonesa que tiene los mismos temas que el Lp.
Aquí hay música de la India, no solo instrumentos de ese país, sino que además Lonely fire tiene una forma muy parecida a ciertas ceremonias hindúes, hay música africana, que se nota mucho en Ife, psicodelia, jazz y rock, especialmente en Go ahead John; pero en si es un disco realmente inclasificable y libre.
El autor de todos los temas es Miles, salvo la segunda mitad del primero, compuesta por Joe Zawinul.

¿ma que Pinfloi?, essto e sicodelia!!!
link en comentarios.

Focus, Focus III (1972) (a 320 kbps)

2009-11-08T23:31:00.000-08:00

Los holandeses de Focus nos entregan esta zapada enorme, este doble tercer disco de la banda de Thijs Van Leer y Jan Akkerman, quien era considerado por esa época como el mejor guitarrista del mundo. Los Focus eran una banda de rock progresivo-sinfónico, y en este disco pasan con mucha naturalidad por momentos de jazz rock con ritmos barrocos, aires medievales y funk, con potentes improvisaciones al estilo jazzero.

Quizás mi tema preferido del disco sea "answers?, questions!, questions?, answers!", aunque tambien "love remembered" es precioso.

Este último tema lo hace tambien Jan Akkerman acompañado por arreglos orquestales de Claus Ogerman.

Música para escuchar tirado panza arriba.

link en comentarios.

Eberhard Schoener, Bali Agúng (1975) (a 256 kbps)

2009-11-08T10:20:00.000-08:00

Alguien me pidió música de Bali, por lo cual pongo este disco que me gusta mucho, que no es completamente de Bali, tambien es alemán. Próximamente voy a poner alguno de gamelán de Bali. Este es otro que viajó, Eberhard Schoener, quien estudió violín y composición y luego se fue de viaje al lejano este y luego grabó este disco basándose en algunas grabaciones realizadas en Bali, mas sintetizadores y otros instrumentos.

link en comentarios.

Francisco Garrido, Mirame y se color (2009)

2009-11-08T05:43:00.000-08:00

Ep grabado por el autor de los poemas que aparecen en este blog, tiene temas grabados recientemente y alguno del año pasado. Con reconocidas influencias de Steve Reich, Pauline Oliveros, Thom Yorke y María Fernanda Aldana.

Incluye el comienzo de un poema de Alberto Girri cantado como una especie de mantra, y muchas cosas mas!!!.

Tambien aparece acá: http://paranoidrecords.blogspot.com/2009/11/pr-004-francisco-garrido-mirame-y-se.html

link en comentarios.

Paul Horn, Altura do sol (1975) (a 320 kbps)

2009-11-02T21:27:00.000-08:00

Acá tenemos a dos músicos grosos en serio, Paul Horn interpretando composiciones de Egberto Gismonti; por un lado Paul Horn, quien no solo es un gran músico de jazz, sino que trascendió el jazz, yendo a grabar música al Taj Mahal y a las pirámides de Egipto; y por otro lado, Egberto Gismonti, otro que la hizo re bien, se fue a París, a estudiar orquestación y análisis con Nadia Boulanger y dodecafonismo con Jean Barraqué, alumno de Arnold Schönberg y Anton Webern, y cuando volvió a Brasil, se fue a vivir unos meses con la tribu Yawaiapiti, en el alto do Xingú, en la selva amazónica. Así que a escuchar a Paul Horn interpretando a Egberto Gismonti.
link en comentarios.

Ara Tokatlian y Enrique Villegas, Inspiración (1975) (a 320 kbps)

2009-10-31T21:25:00.000-07:00

Aquí tenemos un interesante disco grabado por Enrique "mono" Villegas, un gran pianista argentino de jazz, acompañando a algunos integrantes de la banda Arcoiris, el flautista y saxofonista egipcio Ara Tokatlian, el bajista Guillermo Bordarampé, y Danais Winnycka, mas conocida como Dana. Las composiciones son de Tokatlian, y dos de Dana, y suenan bastante parecidas a lo que hacía Jan Garbarek por esas épocas.

Dijo Ara a la revista Pelo, en el número 40, "Descubrir tu sentimiento y expresarlo. Esto surgió de mí en unas vacaciones en Necochea. Allí hay un desierto de dunas que recorrí de noche y de día. En esa soledad se escucha el sonido del silencio (que no es utópico)".

La foto de la portada es de Gustavo Santaolalla, y aparecen Ara y Dana quien además era guía espiritual de Arcoiris.

link en comentarios.

Astor Piazzolla y Gerry Mulligan, Summit (Reunión cumbre) (1974) (a 320kbps)

2009-10-26T19:12:00.000-07:00

Cuenta Piazzolla con respecto al Octeto Buenos Aires: "en 1954, estando en París, tuve la oportunidad de ver y escuchar a muchos conjuntos de jazz moderno, entre ellos al octeto de Gerry Mulligan. Fue realmente maravilloso ver el entusiasmo que existía entre ellos mientras ejecutaban, ese goce individual en las improvisaciones, el entusiasmo de conjunto al ejecutar un acorde, en fin, algo que nunca había notado hasta ahora con los músicos de tango...Como resultado de esta experiencia nació en mi la idea de formar el Octeto De Buenos Aires. Era necesario sacar al tango de esa monotonía que lo envolvía, tanto armónica como melódica, rítmica y estética. Fue un impulso irresistible el de jerarquizarlo musicalmente y darle otra forma de lucimiento a los instrumentistas. En dos palabras, lograr que entusiasme y no canse al ejecutante ni al oyente, sin que deje de ser tango y que sea mas que nunca, música."
Luego, en el año 1974, estando en Italia, Astor y el recien mencionado Gerry Mulligan, grabaron este disco juntos, acompañados por Angel Pocho Gatti, y varios italianos, interpretando composiciones de Piazzolla, y Aire de Buenos Aires, de Muligan.
Ahora voy a contar una anécdota personal con este disco; en el año 2003, un jueves a la noche estaban pasando en la radio "cierra tus ojos y escucha", de este disco, y yo sentí muchas ganas de tener el disco; dos días despues, yo estaba caminando por una calle, y de pronto escucho que me llaman, y era un amigo que había vuelto de España, y yo no lo sabía, estaba trabajando en un quiosco, y despues de saludarme, lo primero que hizo fue mostrarme este disco.Le cedo el lugar a Manuel Martinicorena, un amigo para continuar éste relato:
_Hola Fran... Mi anécdota personal es haber escuchado en 2000, en un colectivo el único tema de Mulligan del disco "Aire de Bs. As.", fue tremendo y quedaban dos opciones o bajar cuando terminó el tema y salir corriendo o saltando hacia cualquier lugar a hacer cualquier cosa feliz o no sé, pero me puse tan nervioso que le fui a hablar al chofer, era el colectivo 12 que hace Barracas - Retiro o algo así y me puse a charlar de la radio de tango, de cocina y sorpresivamente de Beethoven; al otro día casi mendigué para comprar el disco en los Musimundos de ese entonces.
Como te he contado cuenta Natalio Gorin en su biografía sobre Astor que con todas sus músicas escritas le era imposible trabajar con un músico que no supiera leer música ("educación formal") y que se sorprendió mucho... No es para menos, Gerry tuvo siempre fama de adaptarse a la música, como si fuera en el centro exacto del aire donde van las ondas o de cada vibración. Es un músico muy querido en USA, un recuperador de las jams que a principios de los 50´s entre tanto ensayo y encierro para proyectos como células que se iban a ir imponiendo, se perdían. Pues desde joven es asiduo asistente a las jams, que bien le puede haber dado inteligentemente esa versatilidad, pero también es un joven arreglador.Comparte con Astor una situación de dejar que fluya la evolución de las músicas y por otro lado el estudio o amor por la música del pasado.
Como señala Nat Hentoff entre los veinte y los treinta se pierde un poco la tradición de improvisación colectiva de New Orleans, el jazz queda en escena dominado por los solistas con Louis Armstrong a la cabeza, y los ritmos comienzan a suavizarse. Ante eso los jovenes Bird, Monk, Dizzy, mantienen la particularidad solista o casi hacen que la banda unicamente acompañe sus invenstigaciónes del bebop ensanchando la profundidad armónica y rítmica y de improvisación melódica para el jazz.Desde 1947, con Gil Evans, George Russell, John Lewis, Miles Davis y otros tantos en las ahora famosas reuniones en casa de Evans; Gerry intenta responder y dejar fluir a esa corriente que una vez más dejará lugar a una nueva, el cool jazz. Así arregla con Gil de quien aprende mucho, con John Lewis y toca el Barítono en los Birth of the cool, que editados en Ep no tienen éxito masivo hasta 1957. Hay innovaciones en cuanto a la gama de instrumentos (otra conexión con Astor) y en sí en el tratamiento de la música.Con Angel Pocho Gatti en rodhes y piano y el estilo italiano de Astor fruto de su amor a Italia y su estancia en Milan (ver introducción de "Cierra tus ojos y escucha") donde graba también Libertango, el disco podría intuirse como un jazz-tango work.Y es más y menos que eso, las composiciones de Astor desde un punto de vista personal lo tienen en un período muy creativo, con más variantes ritmicas, atenuadas por la orquesta de cuerdas y el saxo de Mulligan ténue y sutil hilvanando líenas melódicas; más que atenuadas englobadas, y de Astor su siempre avance adentro de si mismo en la composición de las rítmicas, armonías y melodías.Gerry aporta Aire de Bs. As., y ya desde los primeros 5 acordes de a Saxo-Piano-Bandoneón-Marimba y la batería muy presente, se adivina una melodía preciosa de Mulligan y un arreglo total fantástico con solos inspiradísimos.Reunión cumbre me remite a las máquinas, a un proceso de producción fantástico, también Gerry se permite un solo jazzero.Hace Veinte Años tiene una melodía dulce, con solos y momentos de gran ternura.El disco es inspirador, tiene tango, jazz, y música etérea, la inclasificable magia.
link en coments.

Luis Alberto Spinetta, Privé (1985) (a 320 kbps)

2009-10-25T14:48:00.000-07:00

Y despues de un disco de música industrial, el disco mas industrial de Spinetta, Privé, un disco muy fuerte de Luigi, grabado sin batería, solo con ritmos programados bastante salvajes y samplings extraños, como el de el encendido de un fósforo y un lavarropas.

Algunas canciones del disco iban a ser parte del proyecto no concretado con Charly García, como la conocida por todos, "rezo por vos"; "pobre amor, llámenlo", está dedicada al querido Carlos Alberto (García).

Muchos invitados, León Gieco, Andres Calamaro, Fito Paez, Osvaldo Fatorusso. En fin, ningun dato que no esté en la web, lo importante es escuchar.

"Como un perro" la rompe!

link en comentarios.

Cabaret Voltaire, The voice of America (1980) (320 kbps)

2009-10-24T16:39:00.000-07:00

Cabaret Voltaire, además de ser, décadas antes, el lugar donde surgió el dadaísmo, es mi banda preferida de música industrial, esa especie de punk electrónico y chatarrero que surgió a fines de los 70's, aunque estos ya venían experimentando con sonidos desde unos años antes. En 1978 participaron del compilado A Factory Sample, junto a Joy Division. Este es el segundo l.p. de estudio de los Cabaret Voltaire, despues se pusieron un poco mas bailables.

Por momentos me recuerda a la parte electrónica de Radiohead.
link en comentarios.

Jonny Greenwood, Bodysong (2003) ( a 320 kbps)

2009-10-22T08:22:00.000-07:00

Disco de Jonny Greenwood, guitarrista y varias cosas mas de Radiohead, en este caso haciendo la música de un documental acerca de la evolución humana, producido por un señor llamado Simon Pummel. Música instrumental, electrónica, jazz moderno, experimental.

Nótesen las influencias de Olivier Messiaen en el piano del primer tema.
link en comentarios.

Brian Eno, Another green world (1975) (a 320 kbps)

2009-10-21T10:56:00.000-07:00

Pongo una entrevista a Brian Eno, para que junto al disco se ilustren mutuamente.

link en comentarios.

1. Instrucciones para escuchar a Eno Pensémoslo de esta forma: la mayoría de la música es como una ducha: vigorosa, activa, dinámica, llena de giros y ajustes. Eno, por otra parte, nos ofrece un baño de espuma: atemporal, apacible, sereno, inmóvil. Donde la ducha estimula a través de su enérgico impacto, el baño de Eno (des)enfoca los detalles del sonido sugiriéndonos un estado de inmersión contemplativa.

Cambiando la manera en que la gente escucha, Eno desafió a los músicos a reconsiderar la manera en que componen. Las técnicas del sampling que actualmente constituyen el punto de partida básico de la experimentación sonora, por ejemplo, le deben mucho a su colaboración de 1980 con David Byrne, My Life in the Bush of Ghosts, en la cual música folk libanesa, voces grabadas de la radio y desaforados sermones evangelistas se entrechocan sobre hipnóticas bases rítmicas. E inclusive antes, en 1977, sus colaboraciones con el grupo experimental alemán Cluster (Cluster & Eno) y con David Bowie (Low, Lodger y Heroes) sentaron las bases del ambient techno y el techno-pop respectivamente.

Pero la más grande contribución de Eno es haber expuesto la belleza de las notas aisladas y la potencia expresiva del silencio. La quietud inconmensurable inducida en Discreet Music evidenció que concentrarse en la sustancia básica de la música, el sonido en sí mismo, puede producir obras musicales muchísimo más intensas que toda la pirotecnia vacía del virtuosismo.

2. Estrategias Oblicuas A mediados de los '70, después de abandonar su primer grupo importante, Roxy Music, la desilusión con el rock lo llevan a editar, junto con el artista Peter Schmidt las Estrategias Oblicuas (Oblique Estrategies), un set de cartas, diseñadas para introducir elementos azarosos en el proceso de creación. Empleadas frecuentemente en sus trabajos como productor de grupos de rock, Eno propone, cada vez que el proceso creativo se atasque, sacar una carta y seguir sus instrucciones. Las cartas tiene enunciados tales como "Todos cambian de instrumento", o "Apaguen los equipos y vuelvan mañana". Las estrategias oblicuas de Eno pueden considerarse como uno de los dispositivos de intervención que conforma una estrategia más amplia, tendiente a integrar elementos de indeterminación dentro del trabajo artístico.

3. El Sintetizador Evolutivo "Siempre critiqué a los diseñadores de sintetizadores por elegir las opciones tecnológicas más obvias, que siempre tienen que ver con un desarrollo cuantitativo y no cualitativo de los instrumentos. Cuando uno diseña los circuitos, lo más simple de hacer es agregar un par de opciones. Y lo más complicado es intentar que estas máquinas se relacionen con las personas de maneras innovadoras.

Estuve desarrollando una idea para un instrumento que denomino 'evolutivo'. Digamos que el sintetizador te ofrece 32 sonidos cuando lo encendés. Vos los escuchás rápidamente y decís, 'Bueno, el sonido número 14 está bastante cerca de lo que quiero, y el 18 también'. Entonces apretás los botones correspondientes a estos dos sonidos, y el sintetizador genera 32 mutaciones de estos dos sonidos. Entonces decís 'el número 15 está bastante bueno. Escuchemos algunas mutaciones de ese sonido'. A medida que te acercás a los sonidos que querés, podés reducir el grado de mutación. Lo interesante de esta idea es que no necesitás saber qué es lo que el sintetizador está haciendo, aunque pueda ser internamente tan complejo como puedas imaginar. En lo único que el músico tendría que concentrarse es en la habilidad de escuchar, explorar y tomar decisiones. Si trabajases así un por tiempo, tendrías una librería de sonidos que descubriste a través de este proceso. En un par se semanas tendrías un sintetizador completamente único. La producción de sonido se convertiría en un proceso más orgánico, se volvería más misteriosa. El músico resignaría la pretensión tradicional de la música electrónica: tener completo control en la programación de los sonidos."

4. Un sintetizador no es un teclado "El primer sintetizador que tuve, un EMS, tenía un teclado tan malo que casi nunca lo tocaba. Creo que fui una de las primeras personas en Inglaterra en usar un sintetizador como otra cosa que un instrumento de teclado. Y esta manera de generar música me llevó en direcciones bastante diferentes, ya que no estaba sujeto a los hábitos puramente musculares que se desarrollan al tocar teclados de modo convencional."

5. Atmósferas y paisajes "Como venía de una formación en artes visuales, no era posible para mí hacer música en la manera en que los demás la hacían. Tendía a operar los equipos probando diferentes cosas, escuchando lo que sucedía. Esa es probablemente la primera diferencia: Yo intentaba realmente escuchar cómo sonaban los resultados, no cómo se suponía que debían sonar. La mayoría de la gente esperaba que los sintetizadores reprodujesen sonidos que habían escuchado antes. Pero yo creía que el sintetizador era un instrumento fascinante que podía hacer cosas completamente nuevas. De manera similar, cuando recién empecé a grabar, el estudio era una especie de herramienta de registro de canciones pre-escritas. Pero, para mí, el estudio significaba la posibilidad de pensar a la música de manera diferente. No como algo que tenga que ejecutarse en tiempo real, sino como algo que puede ser construido, como una pintura. Me permitía pensar en situaciones, atmósferas y paisajes, más que en la linealidad de la narración. Casi todos los procesadores que hay en un estudio te permiten cambiar la sensación de localización topológica desde donde la música proviene."

6. Diferencia y repetición "En los '70, algunos amigos y yo solíamos compilar cintas e intercambiarlas. Lo hacíamos porque estábamos insatisfechos con la manera en que los discos estaban organizados: canción rápida, canción lenta, canción bailable, balada, ese patético concepto de la variedad, que estaba basado en la idea de que una persona sólo podía mantenerse en un particular estado de ánimo por tres minutos y medio. Mi amigo Peter Schmidt y yo confeccionábamos cintas larguísmas que tenían un clima extremadamente parecido. Cintas de dos horas, con apenas algunas leves variaciones de intensidad. Recuerdo que el hizo una para mí con los movimientos lentos de todos los cuartetos de cuerdas de Haydn."

7. Inclusión/exclusión "Una vez sufrí un accidente, y tuve que quedarme en cama un tiempo. Una amiga vino a visitarme, y cuando se estaba yendo le dije '¿Podrías poner un disco por mí?'. Ella lo puso, pero el equipo estaba a bajo volumen -y además, uno de los canales de mi estéreo no funcionaba y estaba lloviendo. Al principio, mientras intentaba escuchar, me sentía bastante incómodo. Pero entonces me dí cuenta que no estaba escuchando sólo la música: Escuchaba el sonido de la lluvia, y algunos fragmentos ocasionales de música a la deriva sobre el nivel de la lluvia. A partir de esa experiencia comencé a desarrollar la idea de una música que no excluya, sino que incluya los sonidos que coexisten con ella."

8. Modelo narrativo/Modelo onírico "La mayoría de la música tiene un fuerte sentido narrativo. Es teleológica, como dirían los historiadores del arte. En consecuencia, concibe el tiempo como seccionado en secciones. Y esto es exactamente lo que no querés si estás tratando de generar elementos oníricos. No podés ser constantemente retraído a un mundo que está completamente seccionado, dividido, delimitado. La mayoría de la música pop opera de esa forma."

9. Heavy metal "Lo más cercano a la música ambient es el grindcore, la forma más extrema del heavy metal. En un recital grindore todo se vuelve irrelevante excepto esta explosión de sonido. Es una experiencia fascinante ir a escuchar un buen grupo grindcore[1]. Estás experimentando el sonido en su forma más pura, en su forma más física."

10. El no-lugar de la indeterminación "No estoy interesado en los sonidos completamente familiares, pero tampoco en los completamente extraños. Cuando yo empecé a usar sintetizadores, esas eran las áreas donde la gente en general solía trabajar. O era algo que sonaba como un órgano o era algo que sonaba como una nave espacial. Lo que a mí me interesaba eran los sonidos que de alguna manera eran reconocibles, que pudiesen seducirte, pero que al mismo tiempo se despegasen de cualquier cosa que hubieses escuchado antes. Todavía trabajo de esa forma. Evidentemente, la ubicación de este tipo de sonidos dentro del universo sonoro posible se ha desplazado con el paso del tiempo. Algunos sonidos que antes eran extraños, ahora son muy familiares, y por lo tanto no son tan interesantes. Y cosas que antes eran muy comunes, comenzaron a sonarme interesantes, como el piano acústico, ahora que se ha convertido en una experiencia sonora exótica."

11. Las escuelas de arte "Cuando empecé a hacer rock, tenía un punto de vista bastante particular de lo que debía estar haciendo. Viniendo de una escuela de arte, dije 'Se supone que tengo que ser un artista. No voy a andar boludeando. Quiero pensar las cosas, producir nuevas ideas, y encontrar maneras interesantes de hacer las cosas. No quiero limitarme a hacer lo que se espera que haga.' Parte de la fuerza del rock inglés proviene de ese extraño background de escuelas de arte que sigue impulsando a que la gente que hace música piense que su trabajo es explorar nuevos territorios y que están fallando si no lo logran."

12. La audición mutante "Estoy aburrido de la música. Ya no escucho tanta música como antes. Me siento en mi escritorio, y a mi lado tengo trescientos o cuatrocientos Cds en un anaquel. Solamente compré seis de ellos; todos los demás me los regalaron diferentes personas. ¡Es demasiado! ¿Cómo navegar a través de todo esto? ¿Qué es lo que llama tu atención? Es por todo esto que creo que va a surgir un rol de curador. Gente que construya colecciones de música y la distribuya. Estos curadores tendrían dos funciones: serían los filtros que te salvarían de tener que escuchar todo, pero también serían conectores, podrían realizar conexiones que vos non hubieses podido pensar solo. Eventualmente, el proceso podría ser posible a través de una computadora. Uno podría decir 'Me gustan Teardrop Explodes, Velvet Underground, Abba, Silver Apples, y Sinèad O'Connor', y el curador podría contestar 'En ese caso, ¿escuchaste Elastic Pure Joy? Te podrían gustar.' De alguna manera, esto podría funcionar como el sintetizador evolutivo, te podrías encontrar navegando en áreas remotas de la música."

13. Make the medium fail "Yo tengo un lema: 'Hacé que el medio falle'. Con ello, quiero decir que hay que hacer música que suene como si fuese demasiado grande como para entrar en un CD. Imaginate que todos los pintores sepan que sus obras fuesen a ser expuestas solamente en hojas de papel de 21cm. x 29,7cm., impresas con tintas de colores muy similares. Esto cambiaría drásticamente la manera en que los pintores trabajan. Lo que yo siento acerca de las grabaciones últimamente es que suenan como si hubiesen sido diseñadas para encajar en un CD. Y pienso 'Qué aburrido. Lo que quiero es algo que parezca tener toda clase de partes que no terminen de encajar, así puedo intentar adivinar cuáles son.' Esto se puede escuchar mucho en las grabaciones de jazz, en especial en las que son en vivo, donde no poder terminar de identificar completamente lo que está sucediendo. Lo cual tiene el efecto de inducir a una escucha creativa, porque uno empieza a inventar cosas para llenar los vacíos. Yo quiero que eso suceda, y la improvisación es una de las formas de lograrlo. La improvisación es como si le dijese al oyente 'Esto está realmente sucediendo, y no sabemos hacia donde esta yendo'."

[Reorganización de la entrevista realizada por Robert Doerschuk publicada en la revista Keyboard Nro. 227, Marzo de 1995]

[1] por ejemplo Napalm Death, especialmente su disco Scum (earache).

Karlheinz Stockhausen, Oberlippentanz Ave Tierkreis (grabado en 1991) (a 320 kbps)

2009-10-19T23:19:00.000-07:00

Pongo este disco con composiciones de Karlheinz Stockhausen, principalmente por Tierkreis, composición inspirada en los signos zodiacales, que en un principio fue hecha para cajas de música, y luego tuvo varias versiones con distintas instrumentaciones, y hasta una versión extendida en forma de ópera, la sideral Sirius; esta versión interpretada a trío, es para clarinete, flauta, piccolo, trompeta y piano.

En piccolo, trompeta y piano, tenemos al hijo de Karlheinz, Markus Stockhausen.

link en comentarios.

Chango Spasiuk, Pynadí (los descalzos) (2009) (a 320 kbps)

2009-10-18T23:20:00.000-07:00

Otro que tambien toca el acordeón, el Chango Spasiuk y su mas reciente disco, Pynadí (los descalzos), una música absolutamente paisajística, y el sonido del acordeón, que me hace pensar en el fluír del río.

link en comentarios.

Hermeto Pascoal, Eu e eles (1999) (a 320 kbps)

2009-10-15T22:12:00.000-07:00

Hermeto Pascoal, quien nos ha demostrado que cualquier objeto puede ser un instrumento musical, es uno de los músicos y compositores mas amplios y capaces de Brasil; en este blog lo hemos escuchado con el cuarteto novo, y quizás lo hayan escuchado con Miles Davis, Egberto Gismonti (otro...) , o Elis Regina. Yo tuve la suerte de verlo/escucharlo... en vivo en el año 2005.

En sus discos suele tocar varios instrumentos, pero en este disco toca absolutamente todos él: piano, trompeta, flauta, pandeiro, cavaquinho, saxos, tuba, acordeon y objetos varios, como máquinas de coser y sifones.

link en comentarios.

Edu Lobo con el Tamba Trío, A música de Edu Lobo por Edu Lobo (1964) (a 320 kbps)

2009-10-11T17:13:00.000-07:00

El Tamba trío, mi trío preferido de Brasil, han inspirado a muchos músicos brasileños posteriores, como Sergio Mendes e Ivan Lins, han sido uno de los primeros en introducir las formas del jazz en la música popular brasileña, y han acompañado a artistas como Maysa, Leny Andrade, y en este caso, el cantante y compositor Edu Lobo, en uno de sus primeros discos, con todas canciones compuestas por el, donde podemos conocer bien su estilo.

Música brasileña de la mejor.

Link como debe ser, en los comentarios.

Charlie Parker, Charlie Parker with strings (1950) (a 320 kbps)

2009-10-03T16:12:00.000-07:00

Charlie Parker, mayormente conocido por sus bandas de be-bop de mediados de los 40's, grabó este disco en 1949, acompañado por cuerdas, con arreglos de Jimmy Carroll y el oboe de Mitch Miller.

link en comentarios.

The Modern Jazz Quartet, Fontessa (1956) (a 320 kbps)

2009-09-24T23:33:00.000-07:00

El Modern Jazz Quartet, claro ejemplo del cool jazz, se formó luego de que en la orquesta de Dizzie Gillespie, participaran John Lewis, Milt Jackson y Kenny Clarke, a quienes se sumó el contrabajista Percy Heath, todos ellos tambien tocaban en grabaciones de Miles Davis a principios de los años 50's, como en Blue Haze; luego Kenny Clarke fue sustituído por Connie Kay, esa es la formación que aparece en este disco.

La composición que lleva el nombre Fontessa, es una suite inspirada en la personalidad de cada uno de los personajes de la "comedia de l'arte", Colombina, Arlequín, Pierrot, y Pantalón.

Luego hay bellas versiones de standards, como angel eyes y over the rainbow, y temas de John Lewis y de Milt Jackson, como versailles y bluesology, respectivmente.

Esto me trae lindos recuerdos, porque hace varios años yo compraba discos en un parque, y este fue uno de los primeros que compré.

link en comentarios.

Serge Gainsbourg, Du chant à la une! (1958) (a 320 kbps)

2009-09-22T09:20:00.000-07:00

El primero disco de Serge Gainsbourg, y uno de mis preferidos de él. Esta edición contiene algunas versiones en vivo.

Un sonido que es un monumento al lounge.

Serge, http://www.youtube.com/watch?v=aqg-vqo-BL4

link en comentarios.

The Beach Boys, Sunflower (1970) (a 320 kbps)

2009-09-22T00:36:00.000-07:00

Los Beach Boys eran principalmente tres hermanitos californianos, Dennis, Carl y Brian Wilson mas un primo y un compañero de Brian, que comenzaron a hacer canciones surferas con lindos arreglos vocales, a comienzos de los 60's, con éxitos que ya conocemos ( http://www.youtube.com/watch?v=k1FaflUn4Co ), y con el paso de los años, se fueron transportando a playas cada vez mas coloridas con sus canciones. Este disco es uno de los mas producidos, y con arreglos mas minuciosos, vocales y orquestales, junto con el histórico "pet sounds".
Incluye "baladones" como Dierdre, All I wanna do, y Our sweet love.

En la portada, los beach boys con sus beach children.
link en comentarios.

Elis Regina, Madalena (EP 1970) (a 320 kbps)

2009-09-18T15:19:00.000-07:00

Siguiendo con los EP's, discos con pocas canciones, como me han solicitado algo de Elis Regina, cantante brasileña preferida de muchos, entre ellos, Hermeto Pascoal y yo, subo este ep. que comienza con una de las primeras hermosas canciones de Ivan Lins, madalena.

link en comentarios.

Sandro, Vivo d'amore per te (single) (1968) (a 320 kbps)

2009-09-13T21:58:00.001-07:00

Que contento me pone que exista este single y poder difundirlo; se llama "Vivo d'amore per te", y es el single que Sandro grabó cantando en italiano en 1968, contiene la canción que se llama como el single, que es la versión italiana de "Quiero llenarme de ti", en el lado A, y el el B, "Ave de paso" en el mismo idioma. Una locura!!!
Tambien recordemos a Sandro y los de fuego, banda de rock en español que comenzó a grabar incluso antes que los Rolling stones.
La portada me resultó inhallable, así que pongo la del single en español.
link en comentarios.